Hé, Manu, tu descends ?

Quand le pianiste Emmanuel Borghi sort du bois…

Il y a comme ça des journées qui font du bien. Parce qu’on en a besoin, non, vous ne trouvez pas ? L’avenir est gris très sombre, plombé, et beaucoup d’entre nos concitoyens ressentent violemment les effets du piège qui se referme sur nous, selon une logique implacable dont j’aurais du mal à connaître la raison profonde – la cupidité ? la veulerie ? la stupidité ? la connerie humaine ? – mais qui m’a souvent valu de me faire passer pour un hurluberlu dès lors que j’essayais – c’était il y a bien longtemps, à l’aube des années 80 - d’en comprendre la mécanique et que je n’hésitais pas à employer le mot de dictature pour qualifier le régime sous lequel nous vivions et la folie financière qui se répandait comme la peste (une épidémie dont on pourrait approximativement calculer l’âge, qui avoisine la quarantaine). Attention ! Je ne suis pas naïf au point de croire que tout était mieux avant – je laisse cette illusion à d’autres rêveurs enfantins – mais, comment dire ? Je n’ai pas attendu 2008 pour savoir que nous étions mal barrés et que les capitaines à bord auraient mérité d’être balancés à la mer depuis belle lurette, et sans bouée de sauvetage s’il vous plaît. Nous avons atteint aujourd’hui une sorte de premier sommet sur lequel sont perchés aujourd’hui une poignée d’irresponsables bouffis qui nous expliquent maintenant qu’il va falloir que nous sautions dans le vide si nous souhaitons nous en tirer… Messieurs, sautez les premiers, je vous suis…

Bref, assez de pessimisme… hier donc, mon salon était baigné d’une lumière d’automne absolument irrésistible : de celles qui vous conduisent inéluctablement à vous prélasser dans le fauteuil où vous vous effondrerez en compagnie d’un livre (tiens, un bon vieux Dashiell Hammett, Le Faucon Maltais par exemple) ou d’un disque (50 Words For Snow, le nouveau Kate Bush dont je parlerai bientôt). Un confort éminemment petit bourgeois, j’en conviens volontiers, mais moment privilégié parce que vecteur du nécessaire oubli passager des brutalités extérieures.

C’est hier également que le pianiste Emmanuel Borghi a partagé sur un réseau social un premier extrait du disque qu’il publiera au début de l’année 2012.

Alors ça, mes amis, c’est une excellente nouvelle ! Je ne vais pas vous réécrire l’histoire de ce musicien trop rare mais je pourrai la résumer en vous expliquant qu’après une vingtaine d’années passées au service de la musique de Christian Vander, Manu a tourné la page en 2008, embarquant avec lui femme et beau-frère (Himiko et Antoine Paganotti). Depuis, le sieur Borghi nous a donné de ses nouvelles, ne serait-ce qu’en étant partie prenante d’une réjouissante expérience, SLuG, dont j’avais évoqué le premier disque dans les colonnes de Citizen Jazz. On savait aussi qu’un second bébé limace était en gestation, enregistré dans d’excellentes conditions du côté de Radio France. Un disque qui devrait voir le jour assez vite. Miam miam !

Voici quelque temps déjà, Manu m’avait confié par ailleurs qu’il travaillait sur un disque en solo et en trio. De quoi nous faire saliver, nous qui n’avions jusqu’à présent qu’à nous mettre sous la dent ses Anecdotes parues en 1996 (je crois qu’on peut encore se les procurer chez Musea, allez-y, c’est un chouette disque !). Une éternité en quelque sorte… Je n'oublie pas cependant qu'entre temps, Manu a participé au groupe One Shot, dont la musique crypto-crimso-zeuhl avait de quoi vous bousculer par sa noirceur méthodiquement dosée.

Et c’est hier qu’il a choisi de livrer à nos oreilles attentives sa reprise de « Don’t Give Up », une magnifique chanson de Peter Gabriel qu’on avait pu découvrir en 1986 sur l’album So et pour lequel le chanteur s’était adjoint les services d'une certaine… Kate Bush, encore elle ! World is so small.

C’est mon jour de bonté, alors je vous propose une double écoute. D’abord celle de la version originale :

Et comme je souhaite ne reculer devant aucun sacrifice, je vous en livre les paroles, dont on s’apercevra vite qu’elles pourraient faire écho aux souffrances humaines de nos temps troubles… Il faut toujours comprendre les textes des chansons, c'est un vieux principe intangible, même lorsque ces dernières font, plus tard, l’objet de reprises instrumentales.

« In this proud land we grew up strong
We were wanted all along
I was taught to fight, taught to win
I never thought I could failed
No fight left or so it seems
I am a man whose dreams have all deserted
I've changed my face, I've changed my name
But no-one wants you when you lose
Don't give up
'cause you have friends
Don't give up
You're not beaten yet
Don't give up
I know you can make it good
Though I saw it all around
Never thought that I could be affected
Thought that we'd be last to go
It is so strange the way things turn
Drove the night toward my home
The place that I was born, on the lakeside
As daylight broke, I saw the earth
The trees had burned down to the ground
Don't give up
You still have us
Don't give up
We don't need much of anything
Don't give up
'cause somewhere there's a place
Where we belong
Rest your head
You worry too much
It's going to be alright
When times get rough
You can fall back on us
Don't give up
Please don't give up
Got to walk out of here
I can't take any more
Going to stand on that bridge
Keep my eyes down below
Whatever may come
And whatever may go
That river's flowing
That river's flowing
Moved on to another town
Tried hard to settle down
For every job, so many men,
So many men no-one needs
Don't give up
'cause you have friends
Don't give up
You're not the only one
Don't give up
No reason to be ashamed
Don't give up
You still have us
Don't give up now
We're proud of who you are
Don't give up
You know it's never been easy
Don't give up
'cause I believe there's a place
There's a place where we belong. »

Voilà, vous avez la matière première bien en tête ; je vous propose maintenant d’écouter les premières minutes de la reprise (la cover comme disent les anglois) d'Emmanuel Borghi et ses complices.

Emmanuel Borghi : piano ; Antoine Paganotti : batterie ; Blaise Chevallier : contrebasse.

Lumineux, tout simplement. Je n’ai pas envie d’ajouter le moindre commentaire superflu. Voilà qui nous rend impatients d’écouter tout l’album, qu'on pourra se faire glisser sereinement entre les tympans dans quelques semaines, vers le mois de février 2012.

Et merci à Manu de m’avoir confié la source à partir de laquelle j’ai pu partager cette musique sur mon blog.

Nancy Jazz Pulsations Acte II

Dans ce deuxième épisode, on voit se côtoyer des musiciens escortés d’une légende qui peut soit engendrer la déception (Billy Cobham), soit élever la musique vers des sphères méditatives (Charles Lloyd), alors que d’autres vont faire parler leur lumière propre (Stéphane Belmondo, Manuel Rocheman, Mulatu Astatke). D’autres enfin paraissent un peu désuets (China Moses), voire totalement incongrus (Raphael Gualazzi). Mais en définitive, dix jours de de bonnes vibrations à haute dose.

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Pulsations visuelles

Pour une fois, laissons nos yeux et rien qu'eux partir en promenade rétrospective du côté des scènes automnales de l'édition 2011 de Nancy Jazz Pulsations. L'ami Jacky Joannès a faufilé ses objectifs au plus près de la musique vivante pour nous proposer une petite sélection sous la forme d'une diaporama d'une bonne quarantaine de photographies. Citizen Jazz lui a bien volontiers ouvert ses portes, et c'est un ravissement, même si l'on ne connaît pas sur le bout des doigts la biographie de chacun des artistes qui sont mis en scène. Il suffit de regarder et d'imaginer... ou de se souvenir !

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Jannick aimé

J’ai réalisé lundi matin par téléphone l’interview d’un musicien décidément pas comme les autres et pour lequel j’ai une grande admiration, quelles qu’en soient les apparentes contradictions. Si vous ne connaissez pas son nom, peut-être que la photographie de cette note vous fera penser que sa silhouette ne vous est pas totalement inconnue. Cherchez bien… Vous n’êtes pas au fait de l’histoire de Magma ou de la Musique des Sphères ? Aucune importance car je serais surpris si vous ne l’aviez jamais aperçu aux côtés de chanteurs comme… Michel Berger, France Gall, Johnny Halliday ou, tout récemment, Jacques Dutronc. Une drôle de schizophrénie artistique sur laquelle j’ai pu échanger avec lui, et obtenir des réponses très intéressantes, voire émouvantes.

Je veux parler de monsieur Jannick Top.

Cet entretien, lié à la parution du second disque de Troc, un groupe dont il fait partie et qui avait été formé en 1971 par le batteur André Ceccarelli, fera l’objet d’une parution prochaine dans Citizen Jazz, en lien avec la chronique de l’album. Il s’agit vraiment d’un petit événement parce que Troc 2011 est en fait le second disque de cette formation, dont l’existence très éphémère avait pris fin en 1972. Notamment parce que Top, bassiste surpuissant, avait été repéré par un certain Christian Vander, le Kobaïen fou qui s’était empressé de le débaucher pour l’embarquer sur sa drôle de planète dont la pureté n’a jamais été sans laisser dans son sillage un petit parfum d’ambiguïté. Une collaboration qui durera environ deux ans, avant une nouvelle tentative d’association en 1976 (Vandertop) et pour finir, la séparation. Puis une exploration par Top, certes moins créative mais probablement plus rémunératrice, d’autres univers dans le monde de la variété.

Sauf que le virus des musiques stratosphériques n’était pas éradiqué : on se souvient de La Musique des Sphères, et dans les années 90 d’un trio plutôt intéressant, STS ; puis un disque remarqué avec le trompettiste Eric Le Lann en 2006 et, dès l’année suivante, une sacrée Infernal Machina où Jannick Top remettait les pendules à l’heure et voulait par là signifier l’importance de sa contribution à l’histoire de Magma (selon moi, les mouvements VII à XI sont probablement l’une des plus belles séquences enregistrées par le groupe ; mais ce n'est que ma modeste opinion et je vais encore me faire honnir par les gardiens du Temple... Pas grave, j'ai l'habitude : même pas peur !). Car s’il prétend avoir voulu rendre hommage à Christian Vander avec sa machine infernale, il n’aura échappé à personne qu’en creux de cette musique sombre, ou plutôt en relief, se dessine très clairement tout ce que le groupe lui devait à l’époque. J’ai mis des années à comprendre pourquoi Köhntarkösz était mon disque préféré de Magma (bien loin devant tous les autres). J’avais certes remarqué qu’il ne ressemblait en rien aux autres, et surtout pas à ceux de la martiale trilogie Theusz Hamtaahk qui me continue de me gêner un peu aux entournures (cette fois, je suis banni à jamais...), mais il m’a longtemps échappé à quel point l’âme de Top souffle sur cette musique. Ecoutez le final de l’album, vous saurez de quoi je parle.

Dans l’interview, Jannick Top explique qu’il a toujours ressenti le besoin de ne pas se cantonner à un seul projet, qu’il lui faut évoluer dans le changement. On est content, cependant, de constater qu’il a retrouvé ses vieux copains et qu’il a déployé avec eux une énergie très saine pour nous offrir une musique imprégnée de rock, de jazz, de soul et de funk. Le disque respire le plaisir de jouer ensemble. Un vrai cocktail vitaminé ! Surtout que Troc nous revient presque dans sa formation d’origine : autour de Ceccarelli et Top, voici à nouveau Claude Engel à la guitare et Alex Ligertwood au chant. Seul le pianiste Henri Giordano n’est pas de la fête mais son remplaçant est un certain Eric Legnini, à lui-seul une assurance groove.

Top est au top, dans ses compositions revient souvent le mot spirit et ça me plaît bien !

Elliott Murphy

Mais que vient donc faire un disque d’Elliott Murphy, le plus français des songwriters américains, héritier tout à la fois de Bob Dylan, Bruce Springsteen ou encore Lou Reed, dans les chroniques de Citizen Jazz ? Pas du jazz, nous dira-t-on ! Non, en effet, pas du jazz : juste un disque brillant, tendu comme un arc, à sa manière un disque parfait où s’entrecroisent avec beaucoup de fluidité ballades teintées de blues et rock’n’roll endiablés. Et une étonnante faculté d’enchaîner hits potentiels et classiques instantanés. Prêtez donc, pour vous en convaincre, une oreille à « Gone, Gone, Gone », « Train Kept A Rolling », « Rain Rain Rain », « Rock’n Roll ’N Rock’n Roll » ou encore au très dylanien « Poison’n Grace » qui déroule les paysages d’une Amérique cinématographique avec un fort pouvoir de séduction.

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Et une petite vidéo, pour la route !

Nancy Jazz Pulsations Acte I

NJP 2011, c’est fini ! Au-delà d’un bilan qui atteste de la vitalité du festival malgré des nuances qu’on doit apporter (si la fréquentation globale, tous lieux et concerts confondus, est en progression, le cru 2011 aura été moins faste au Chapiteau de la Pépinière que son prédécesseur dont on s’aperçoit a posteriori qu’il était exceptionnel), Nancy Jazz Pulsations demeure pour Nancy et la région Lorraine un événement automnal de premier plan.

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The sound of silence

J'étais récemment dans le TGV qui me conduisait de Paris à Nancy. Un train facétieux qui a pris la voie buissonnière et accompli le trajet en plus de cinq heures au lieu des 90 minutes annoncées... Plutôt que de ronchonner et me rallier à une cause sans objet (comment peut-on imputer à la SNCF le choix d’une voie ferrée comme terrain de suicide ?), j'ai entrepris la rédaction d'une chronique à destination de mon blog ou de Citizen Jazz.

Seul hic : le disque que j’avais décidé d’évoquer ne m’a pas vraiment transporté. Non qu'il soit mauvais, mais simplement parce qu'il m’a laissé sur le bord de sa route. Je n’ai pas réussi à monter dans l’embarcation. C’est ainsi : comme tout être humain, je revendique le droit à une sensibilité singulière qui ne peut tout absorber et s’extasier à l’infini. Même si je crois avoir montré ici une certaine ouverture d’oreille.

Une fois mon texte terminé, j'ai longuement pesé le pour et le contre, avant de me rendre à l'évidence : je n'aime pas armer ma plume d'une lame trop tranchante. S'il peut m'arriver ici ou là d'émettre une opinion négative (comme je l'ai fait voici peu de temps après un concert catastrophique proposé par Nancy Jazz Pulsations), c'est en général pour mieux souligner d’autres éléments qui, eux, m'ont enthousiasmé. Mais la chronique négative n'est pas ma tasse de thé ; je lui préfère le silence. Libre à d'autres de s'exprimer s'ils le souhaitent : de mon côté je préfère mobiliser mes énergies positives.

Alors voilà : je garderai ce texte pour moi. Inutile de peiner ou de blesser, je n'en ai pas envie.

Jubilation

Le monde est gris. Tout cela ne date pas d’hier, mais l’actualité nous le rappelle minute par minute en nous infligeant le spectacle d’un système qui s’effondre, victime de sa propre logique auto-destructrice. Alors il n’est pas mauvais, parfois, de faire un peu le vide et de se concentrer sur quelques plaisirs simples. De petits bonheurs à partager.

J’ai entre les mains deux disques réjouissants dont je vais écrire les chroniques pour Citizen Jazz durant le week-end. Cette perspective, à la fois ludique et studieuse, sera un antidote très efficace (mais temporaire, je le sais bien) à la morosité anxiogène du quotidien.

Et comme dirait l’autre, c’est dans les vieux pots qu’on fait les meilleures soupes ! Je vous en donne la preuve sans attendre…

Il y a d’abord les suédois de Led, cinq soufflants pétulants et un batteur arrangeur que je découvre (Peter Danemo) qui revisitent avec The Ocean le répertoire de Led Zeppelin : tonique, ludique, une des très belles surprises de cette rentrée.

Et puis, que dire des papys (ils me pardonneront ce qualificatif amical) de Troc sinon qu’ils nous font un énorme plaisir à redonner vie à ce groupe vitaminé qui allie funk et jazz-rock et dont le premier (et unique album jusque-là*) fêtera ses 40 ans l’année prochaine. André Ceccarelli, Alex Ligertwood, Jannick Top et Claude Engel se sont retrouvés avec un plaisir énorme qui déborde de chaque note jouée et le renfort d’un jeunot appelé Eric Legnini (le pianiste belge remplace Henri Giordano dont la santé ne lui permettait pas de repartir à l’aventure). Voilà une galette qui fait un bien fou tant elle est l’expression radieuse d’un collectif dont les membres n’ont rien à prouver mais qui ont toujours faim de musique, c’est évident.

Allez-y, prêtez leur une oreille, je suis certain que vous ne le regretterez pas.

* Disque publié à l’époque sur le label CY Records et malheureusement introuvable aujourd’hui. Je lance ici un appel à une âme charitable parmi vous, qui aurait la gentillesse de me permettre de l’écouter !

Tu danses ?

Si vous connaissez Nancy, vous serez forcément passés du côté de la Place Saint Epvre, qui fait face à la Basilique du même nom, au cœur de la ville vieille. En répétant vos visites à ce lieu où les terrasses des bars ont fleuri au fur et à mesure que l’on en chassait péniblement les automobilistes, vous ne tarderez pas à débusquer un ou plusieurs spécimens d’une variété d’êtres humains bien particuliers : les musiciens. Cachez-vous derrière un poteau et observez attentivement : ici, un Jean-Michel Albertucci (pianiste, voire contrebassiste), parfois coiffé d’un bonnet péruvien, sirote un café allongé en griffonnant des notes sur un bout de papier ; là, juste à côté, on peut aussi croiser le chemin d’un Sylvain Courtney (guitariste) dont on devine qu’une mélodie (une future composition ?) trotte dans la tête. Avec un peu de patience, vous ne tarderez pas à identifier d’autres congénères.

Tiens, par exemple, la semaine dernière, je me suis retrouvé nez à nez avec un quart du Bernica Octet. En toute logique, vous avez compris que je faisais face à deux musiciens  (Octet / 4 = 2) : Pierre Boespflug (pianiste) et Christian Mariotto (batterie). Un petit temps de bavardage, quelques minutes d’échanges et l’évocation d’un trio appelé Tu Danses ? Mariotto en est l’un des membres avec le saxophoniste Jean-Marc Baccarini et le guitariste Philippe Canovas. Quelques jours plus tard, je retrouve dans ma boîte aux lettres une enveloppe avec les deux CD publiés par Tu Danses ? qui ressemble fort à une invitation à découvrir sa musique. Excellente idée car la première écoute s’est avérée très séduisante. J’aurais pour l’instant un peu de mal à traduire mes impressions (considérez-moi comme un moteur diesel de l’écriture) mais j’ai ressenti un vrai plaisir en me trouvant ainsi confronté à un univers empreint de liberté mélodique et de rebondissements permanents. Il y a quelque chose de très tonique et stimulant chez ce Trio, qui me donne envie d’y retourner au plus vite.

Il faut aussi que j’aille faire un petit tour très vite du côté de mes collègues citoyens pour vérifier si Autres Directions, le deuxième album (enregistré en septembre 2010 et publié au printemps 2011) a fait l’objet d’une chronique sur notre site préféré.

A l’heure du foisonnement des échanges sur les réseaux sociaux et de l’observation critique de leur virtualité, il y a du bon dans une telle rencontre « pour de vrai ». Comme une petite dose d’oxygène qui vous ramène à la respiration de l’essentiel.

Sans limites

Allez hop, un bon vieux virage à 180 degrés ! Après le prairie rock de l'attachant Indio Saravanja ; après le southern rock du regretté Duane Allman, je vous emmène pour un petit tour chez un jeune tromboniste Hélvète dont on parle de plus en plus et qui semble n'avoir pas froid à la coulisse...

Attention toutefois : je préfère annoncer ici qu'avec Samuel Blaser, nous ne sommes pas forcément en terrain balisé et qu'il faut accepter d'être un peu dérangé dans son confort auditif si l'on veut participer aux joutes exploratoires qu'il nous propose. De façon un peu simpliste, on le range dans la catégorie des musiciens dits d'avant-garde. Mais ces étiquettes sont irritantes parce que toujours réductrices. Et traduisent très mal la jubilation qu'on peut éprouver à s'embarquer sur un terrain parfois escarpé mais ô combien fertile !

C'est le doux prix à payer : celui de l'inconnu et de cette incertitude roborative sans laquelle une création ne serait qu'une répétition. À certains moments, on veut reconnaître, à d'autres on cherche à connaître. Et pour ne rien vous cacher, ce n'est qu'après trois voire quatre écoutes attentives que ce disque a fini par me dévoiler ses atours. Parce que la musique - comme toute forme d'art - est aussi une affaire d'initiation. Au prétexte que je ne parle pas le Japonais, devrais-je en conclure qu'un quotidien de Tokyo ne dit rien d'intéressant ? J'aurais plutôt tendance à opter pour un apprentissage de la langue...

Samuel Blaser est un musicien actif. Pour ma part, j'avais pu noter la singularité du tromboniste lorsqu'il avait rejoint le Quartet de Bruno Tocanne et ses 4 New Dreams. Plus récemment, son Consort In Motion écrivait un palimpseste audacieux de la musique de Monteverdi, dans un projet auquel était associé le batteur Paul Motian, toujours avide de nouvelles expériences du haut de ses 80 ans.

Avec Boundless le bien nommé - une traduction possible serait sans limites - Samuel Blaser met en lumière à la fois ses qualités d'improvisateur et de fédérateur. Il faut dire qu'en faisant appel au guitariste Marc Ducret, il trouve un partenaire dont le moins qu'on puisse dire est que le bonhomme a du répondant ! Deux animateurs inventeurs, deux agitateurs artificiers toujours à l'affût, sans cesse prêts à rebondir sur l'idée de l'autre, à la creuser, la décortiquer et la maintenir en vie coûte que coûte. Je profite de la publication de ce disque pour rappeler à quel point Ducret est une personnalité essentielle de la scène actuelle : pour vous en convaincre, refaites un petit tour du côté de son trop éphémère Sens de la Marche ou de ses récents Tower, volumes 1 et 2. Sacré personnage qui va même ici glisser quelques motifs que ne renierait pas un Robert Fripp.

Le disque est structuré autour d'une suite en quatre parties enregistrées live : à peine le thème rapidement esquissé que la musique s'envole pour une stimulante conversation à quatre voix libres et complices. Quatre parce qu'aux côtés de Blaser et Ducret officient le contrebassiste Banz Oester et le batteur Gerald Cleaver. Ces deux-là sont partie prenante de la fête et ne laisseraient pour rien au monde le débat se dérouler sans eux. Le terme de conversation n'est pas écrit par hasard : il me semble traduire assez fidèlement l'esprit qui règne sur ce disque. Les idées fusent, chacun les reprenant à son compte dans une cause collective : au final, le motif dessiné est réjouissant, imprévisible, foutraque et stimulant.

Je ne m'y connais pas assez en trombone pour formuler un avis circonstancié sur le jeu de Samuel Blaser. Tout au plus puis-je souligner sa vivacité et ses qualités exploratoires de l'instrument. Ainsi que sa faculté - très appréciable au demeurant - de retrait dès lors qu'il s'agit de permettre aux trois autres de dérouler le fil de leur histoire. Oui, Samuel Blaser a aussi l'intelligence de savoir ne pas jouer pour mieux écouter et rebondir.

Publié sur le label Suisse Hat Hut, Boundless est séduisant par l'addition de petits trésors d'invention qu'il aligne devant nous, sans complexe et dans un désir d'aller voir ailleurs si nous y sommes.

Et nous y sommes bien en effet, tout ragaillardis par cette bonne friction que le Quartet nous a accordée. Quant à savoir si Boundless relève de l'avant-garde, de l'après-garde ou de je ne sais quoi, j'aurais tendance à dire que je m'en moque comme de l'an 40. L'essentiel est là, dans la profusion des énergies et le désir de regarder devant soi.

Sans limites, vous dis-je !

Free Bird

Voici quarante ans et trois jours précisément que disparaissait Duane Allman, tué dans un accident de moto. Il n’avait même pas vingt-cinq ans et derrière lui déjà de belles pages tournées dans le grand bouquin de l’histoire du rock américain. On devrait plutôt parler de southern rock en ce qui le concerne, lui qui au crépuscule des années 60 avait créé le groupe The Allman Brothers avec son frère Gregg. Une histoire bien courte, beaucoup trop courte, comme on peut le deviner, et une poignée d’albums imbibés d’une forte dose d’un blues rock fiévreux hanté par la guitare de Duane Allman – et particulièrement sa slide guitar. Deux albums urgents et brefs enregistrés en studio (The Allman Brothers (1969) et Idlewith South (1970) ainsi qu’un somptueux Live At Fillmore East (1971) témoignent de l’ébullition de la fratrie Allman.

Mais Duane, sans son frère, participera au printemps 1970 à une autre aventure à laquelle le conviera Eric Clapton, celle de Derek & The Dominos. Ce groupe laissera en héritage ce que l’on peut considérer aujourd’hui comme l’un des must have de l’histoire du rock, le mythique double album Layla And Other Assorted Love Songs. Disque parfait, presque intemporel dont le titre « Layla » confine au sublime. Les deux guitaristes rivalisent de brillance et de vibration, atteignant là un sommet dont on ne se lassera jamais.

Tout récemment, Eric Clapton a publié un enregistrement live avec le trompettiste Wynton Marsalis. Leur reprise de « Layla » ressemble à s’y méprendre à un naufrage qui nous fait regarder avec regret, tout là haut, vers le ciel étoilé des musiciens qui sont partis trop vite. Il est parfois coupable de s’acharner à faire vivre ce qui est passé du monde des vivants à celui de l’éternité.

Saravanja épisode 4

Parce que je ne suis pas forcément là où l’on pourrait me croire, je reste attaché à des formes musicales qui elles-mêmes me lient à mon passé et peuvent paraître relever d’une esthétique formellement très éloignée de celle des disques dont je me nourris au quotidien. Comme dirait ma rédac’ chef : cépadujaze ! Et ça me plaît bien !

J’avais évoqué à la fin de l’année dernière un chanteur canadien aux origines Argentines, le dénommé Indio Saravanja. Je trouvais dans sa musique, sur laquelle planent les ombres bienveillantes de Bob Dylan comme celle de l’excellent et pas assez connu Jackson Browne, l’expression d’une vraie simplicité, propre à provoquer la communion de publics qu’on pourrait a priori croire difficiles à réconcilier. Il y a chez Indio Saravanja comme une douloureuse fragilité, dont la sensibilité me touche au plus près. Sa musique intimiste revêt les teintes douces et mauves d’une rêverie baladeuse qui cette fois, avec ce quatrième album intitulé Little Child, disponible en format numérique uniquement (au grand regret de Saravanja lui-même, très attaché au disque vinyle), célèbre aussi sa récente paternité et son cortège de joies et de craintes pour l’avenir, dans une orchestration classique et dépouillée (guitare acoustique, basse, batterie essentiellement).

Indio Saravanja est un artiste humble et sincère, il nous donne (ou presque, devrais-je dire car son disque est disponible pour une somme très raisonnable, à peine plus de 7 €) l’occasion de nous balader tranquillement à ses côtés. En ces temps troubles et violents, une telle proposition semble difficile à refuser. 

Voyez donc par ICI.

Jazz

Il y a comme un réflexe de type pavlovien chez les plus vieux des jazzeux du côté de Nancy : « Nancy Jazz Pulsations, c’est plus un festival de jazz, c’est plus comme avant », nous disent-ils en glorifiant un passé qui, peut-être, n'a jamais existé que depuis qu'il est passé. Je peux comprendre le désappointement des anciens lorsqu’ils voient fleurir en haut de l’affiche des noms comme ceux de Renan Luce, Zaza Fournier ou Arnaud Fleurent-Didier. Je m’associe également à leur peine quand, venus applaudir les grands Charles Lloyd et Chucho Valdés, on leur inflige la purge Raphael Gualazzi, indigeste saucisse prise entre ces deux goûteuses tranches de pain.

Mais enfin, n’est-ce pas là une vision un peu étriquée d’une manifestation qui a dû non seulement s’adapter aux contraintes de l’économie contemporaine (permettez-moi de vous dire ici qu'elles sont assez draconiennes) mais aussi élargir sa palette, non pas au détriment d’une programmation typiquement jazz mais en multipliant les scènes et les genres ? En 1973, que je sache, point d’Autre Canal, ni même de Hublot ou de Magic Mirrors. Et beaucoup moins de concerts au total ! De vieilles voix complices me sussurent même parfois que déjà, au bon vieux temps, on déplorait la présence trop marquée des concerts de blues. La nostalgie serait-elle toujours ce qu'elle n'a jamais cessé d'être ?

Par conséquent, j’aimerais souligner ici que durant la dizaine de jours de la trente-huitième édition du festival, les plus puristes auront tout de même pu se mettre sous la dent (qu’ils ont parfois dure) : Henri Texier, Francesco Bearzatti, Vincent Segal et Ballaké Sissoko, Tigran Hamasyan, Youn Sun Nah, Manuel Rocheman, Charles Lloyd, Chcuho Valdés, Dan Berglund, Mulatu Astatke, Billy Cobham, Stefano Bollani, Stéphane Belmondo, Louis Sclavis et Jacques Bonnafé… sans parler d’une multitude d’apéros jazz un peu partout dans la ville. Ceci, indépendamment bien sûr, de l'adhésion qu'aura pu susciter chaque concert auprès du public.

Pas si mal tout de même. Ce n’est là qu’un exemple de sélection, mais elle me paraît remettre un peu les choses en place. Et suggérer de renoncer à un gémissement un peu trop automatique. Pour le reste, il n'est interdit à personne de participer à un travail de réflexion sur l'évolution de ce qui est un temps fort de la vie cuturelle en Lorraine.

Ballet

La satisfaction de quitter l’Opéra de Nancy sans m’être ennuyé une seule seconde !

Bien qu’abonné au programme annuel de la salle, je confesse volontiers une certaine tendance à l’endormissement systématique lorsque j’assiste à un opéra. Ma dernière performance remonte à quelques mois, quand je me suis longuement assoupi pendant une représentation d’Orlando Furioso de Vivaldi. Je n’en ai ni vu ni entendu grand-chose et j’ai ce privilège que d’aucuns m’envient : celui de payer pour dormir.

Mais résumer mes relations avec l’art dit lyrique à la seule mesure de mon sommeil serait injuste, parce que je passe aussi d’excellents moments en ce lieu un brin suranné, dont les fauteuils au confort sommaire ont du être créés à une époque où l’homme ne devait pas mesurer plus d’un mètre cinquante et ne pas être équipé d’une paire de genoux dont il n’est pas possible de confier la garde au vestiaire. Je me souviens d’un opéra vidéo dont le titre était Tomorrow In A Year qui, s’il avait partagé la salle, était une proposition novatrice à tendance technoïde, preuve d’une volonté affirmée de la part des programmateurs de garder un œil attentif sur des créations contemporaines dont la réputation contrastée peut mettre en danger l’équilibre financier de leur année.

Témoignons donc aussi du plaisir ressenti à l’issue d’une soirée qui unissait les forces du CCN Ballet de Lorraine et de l’Orchestre Symphonique et Lyrique de Nancy, avec la participation du chœur de l’Opéra National de Lorraine. Au programme, Igor Stravinski et ses Noces suivies du Sacre du Printemps.

Peu de couleurs pour l’œil qui de toutes façons a déjà suffisamment à voir, un travail de mise en scène et une chorégraphie qui privilégient le noir et le blanc, voire la couleur chair. Le chœur des Noces est puissant, les danseurs et les danseuses se livrent à une course tournoyante, le temps passe à la vitesse de l’éclair. Le souffle des œuvres de Stravinski ! A peine se souvient-on d’un entracte plus long que prévu parce qu’un musicien, remplaçant de dernière minute, file tout droit de Luxembourg pour assurer la continuité du spectacle. On n’oublie même une certaine mollesse de la direction d’orchestre qui, peut-être, aurait besoin d’un peu plus de muscle.

A la sortie, j’entends quelqu’un dire : « Ce n’est pas classique classique ». Tu l’as dit mon ami, et ce n’est pas ce bon Igor qui te dira le contraire. Il pourra te raconter la soirée du 29 mai 1913 au Théâtre des Champs Elysées !!!

Clef de voûte

C’était le 5 juillet dernier, au festival Jazz à Vienne, dans le cadre majestueux du théâtre antique de la ville. La soirée était entièrement consacrée aux big bands et la première partie proposait un concert d’une jeune formation : The Amazing Keystone Big Band. Une petite vingtaine de musiciens partageant leur vie entre Lyon et Paris, que Citizen Jazz a déjà remarqués après leur passage au Méridien le 9 mai.

J’ai vu le groupe l’année dernière dans un club de Lyon appelé La Clef de Voûte, qui est un peu leur bercail, leur lieu fétiche. Vous avez compris : Keystone, Clef de Voûte !

Je n’étais pas à Vienne. Mais j’aurais bien aimé… D’abord parce que – comme vous pourrez le vérifier sur la vidéo – il faisait un temps magnifique et que le soleil exerce sur moi une attraction plutôt forte, en bon Lorrain que je suis ; aussi parce que je ne connais pas ce lieu chargé de beaucoup d’histoire et très majestueux. Une troisième raison n’a fait qu’ajouter à mes regrets, sur laquelle je ne m’étendrai pas mais que les plus attentifs parmi vous auront tôt fait de comprendre. Cerise sur le gâteau, cette bande de jeunes loups talentueux et fougueux avait choisi de multiplier les énergies en faisant appel à quelques guests prestigieux comme l’organiste Rhoda Scott ou le vibraphoniste Michel Hausser.

Voici une petite séance de rattrapage de ce concert que j’ai pu visionner quelque temps plus tard dans son intégralité : The Amazing Keystone Big Band interprète « Joshua », une composition de Miles Davis. L’image est un tantinet déformée mais comme dit l’autre, qu’importe le flacon… Et si vraiment cet étirement vous gêne, eh bien c’est tout simple : fermez les yeux et ouvrez vos oreilles !

Collectionnite aigüe ?

Je finis par me demander si la discographie du Grateful Dead ne ressemble pas à une grosse vis dont le filetage serait usé, au point qu’une fin n’est jamais envisageable. Elle tourne, elle tourne, elle tourne… Je ne reviendrai pas ici une nouvelle fois sur l’histoire personnelle qui me lie à ce groupe (cherchez si vous le souhaitez, vous finirez bien par trouver…) parce que j’aurais l’impression d’être un vieux schnock radoteur (ce que je suis probablement). Je résumerai cette forme de dépendance inoffensive en disant qu’une petite musique Grateful Dead résonne constamment dans ma tête, de près ou de loin. C’est ainsi… une sorte d’oxygène neuronal.

Mais tout de même ! Les archivistes de la bande à Jerry Garcia – hommes d’affaires bien avisés ? – nous annoncent la publication en 2012 d’une nouvelle collection d’enregistrements baptisée Dave’s Picks, sous la houlette de David Lemieux. Mais c’est quoi ce truc ? On n’en finira donc jamais ?

Je passe sur l’épaisseur de la discographie officielle du groupe : treize albums studios (ce qui est peu finalement, pour une existence couvrant la période allant de 1966 à 1995), une ribambelle d’albums live (dont on peut établir le compte, mais j’y renonce… il y a des doubles, des triples, des quadruples, et même beaucoup plus, je crois avoir un coffret de neuf disques rassemblant trois concerts du début de l'année 1969) qui sont autant de témoignages de la créativité d’une formation dont le four core (Jerry Garcia, Bob Weir, Phil Lesh et Bill Kreutzmann) aura soufflé un air d’une grande fraîcheur, nonobstant un parcours très troublé par de nombreux excès, liés à l’usage des drogues en particulier, sans oublier plusieurs disparitions tragiques. Une douce brise un peu folle aux confins du rock, du folk, du rhythm’n’blues, de la country music, toujours prête à s’échapper de ces cadres trop étroits par de longues séquences d’improvisations (celles-ci ont même fait l’objet d’un disque sous la forme d’une énigmatique compilation appelée Infrared Roses) qui ont constitué la marque de fabrique du groupe.

Si c’était aussi simple… On pourrait délimiter le périmètre et en rester là. On prend son petit stock de disques et on a largement de quoi s’occuper. Mais c’est sans compter sur cette espèce de folie jusqu’au boutiste qui prévaut au sein de l’équipe de Dead Heads régnant sur un stock d’archives très impressionnant. Au point que les collections qu’ils élaborent, mises bout à bout, nous permettent de vivre en différé ce qui s’apparente à une épopée un peu déjantée, qui fait vivre pendant 30 ans un répertoire dont la liste des compositions n’est pas si étoffée. Il y a chez le Grateful Dead un terreau sans cesse labouré, une remise constante de l’ouvrage sur le métier.

Ah, ces collections live ! 36 volumes de la série Dick’s Picks (chacun d’entre eux étant lui-même composé de plusieurs CD) ; une grosse douzaine de Download Series tout aussi copieuses ; et pour finir les Road Trips, soit une petite vingtaine de volumes supplémentaires. N’en jetez plus, la cour est pleine. Curieusement, cette accumulation, ces répétitions n’ont jamais suscité chez moi la moindre lassitude : ces concerts passés m’accompagnent, je les vis à distance géographique et chronologique, peut-être pour combler la cruelle déception d’un concert (dont j’ai encore les billets en ma possession) à Nancy qui ne s’est jamais tenu… Peut-être aussi pour rester en parfaite connexion avec mon passé et vivre le présent de manière plus sereine.

Je croyais en avoir fini jusqu’à hier (enfin, quand je dis finir, il faut comprendre que je pensais mon univers enfin délimité), en découvrant l’annonce d’une nouvelle série de concerts dont les quatre premiers volumes sont annoncés pour 2012. Des soirées intégralement restituées, semble-t-il, avec un travail soigné apporté au son. Pfff… Voilà qui promet encore de longues heures de cohabitation avec les héros de mon adolescence. Sont fous ces Américains.

Je vais essayer de survivre à cette nouvelle attaque traîtresse…

PS : on aura compris par cette note quels moments difficiles je vis...

Improjazz

Je ne sais pas si vous êtes au courant, mais la ville de Blois compte parmi ses habitants un fou furieux qui, depuis des lustres, se bat avec un acharnement qui force l’admiration pour défendre et partager une passion que je lui ai toujours connue. Quand je dis toujours, je n’exagère pas puisque je me rappelle l’époque de mon enfance à Verdun et la forte propension du personnage à ne parler que de musique avec mon frère, dont il était un camarade de classe. Je crois même me rappeler qu’en ces temps reculés – chut, ne le dites à personne - il vouait un vrai culte aux Rolling Stones… Philippe Renaud – c’est lui que j’évoque ici – s’est forgé une solide réputation en créant voici un bon paquet d’années Improjazz, un magazine mensuel disponible par abonnement uniquement et dont le dernier numéro en date est le cent-soixante-dix-neuvième. C’est dire que le temps passe…

Attention ! Ce magazine d’information musicale est probablement un cas unique, pas seulement en raison de sa longévité, ni par la ténacité de son créateur et de ceux qui l’entourent mais par son concept et son esthétique. Dédié principalement au jazz et tout particulièrement à ses formes improvisées, Improjazz s’adresse exclusivement aux lecteurs. N’y voyez pas là un truisme, mais plutôt une nécessaire explication : par sa mise en page austère presque inchangée depuis son origine, par la densité des textes qui le composent, la publication ne cède en rien aux canons actuels de la communication écrite et n’ira pas vous tirer par le bout de la manche pour se vendre. Bref, vous m’aurez compris, on aura du mal à le feuilleter pour regarder les illustrations, rares et monochromes ; bien au contraire, on ouvre Improjazz comme on le ferait d’un livre : il faut un peu de temps devant soi et vouloir découvrir une foule d’artistes dont, probablement, vous n’aurez jamais entendu parler.

Objet de curiosité, publication pour curieux, Improjazz ne vit que par la foi de l’équipe de Philippe Renaud et par les abonnements de ses lecteurs. En ces temps chahutés où je ne sais quel comité Théodule est réuni par celui qu’on prétend être Ministre de la Culture pour se pencher au chevet du jazz, il est aussi de notre devoir de valoriser un soutien aussi fidèle au monde de la musique.

Festen again !

J’apprends que les quatre musiciens de Festen vont prochainement entrer en studio pour enregistrer leur second disque. Voilà qui ressemble fort à une excellente nouvelle ! Le premier chapitre de leurs aventures musicales était très séduisant, par son mélange d’influences multiples – pour ne pas dire sa fusion, mais ce mot est trop souvent connoté de façon négative après avoir été confisqué par certaines tendances du marshmallow sonore des années 80. Pour jeunes qu’ils soient, Damien Fleau (saxophone), Jean Kapsa (piano), Oliver Degabriele (contrebasse) et Maxime Fleau (batterie) n’en possèdent pas moins une très solide culture jazz qui jamais ne leur interdit d’aller, par l’effet conjugué d’une saine curiosité et de leur histoire personnelle, faire un tour du côté de leurs amours plus rock. Inutile de dire qu’on a déjà envie d’en savoir plus sur ce projet en gestation.

Plus généralement, je défends bec et ongles cette nouvelle génération de musiciens qui croisent les univers et n’adoptent jamais une attitude condescendante envers des formes musicales que d’autres jugent inférieures voire vulgaires, au point de penser que leur incorporation dans le brouet du jazz constitue une marque de dégénérescence. Peut-être parce que de mon côté j’ai grandi dans un environnement très largement influencé par le rock, et qu’à l’époque j’étais étonné de l’agressivité exprimée par la sphère des puristes (dans le camp du jazz ou de la musique classique) à son encontre. Ils démontraient la plupart du temps un vrai sectarisme et, pire, une ignorance totale du mal qu’ils se croyaient obligés de pointer d’un doigt vengeur.

Il me semble que cette époque là est bien révolue et qu’aujourd’hui, l’assimilation, tranquillement, s’opère. Tant mieux. Festen en est une manifestation très claire !

En écoute, « Ed’s Night Out », extrait du premier disque de Festen.

Le bon temps

Un guitariste nancéen, que je connais de longue date parce qu’il fut notamment l’un des enseignants de mon fils lors de ses années d’apprentissage musical, a publié tout récemment un disque autoproduit dont j’aimerais dire ici quelques mots, avant de l’évoquer un peu plus longuement dans les colonnes de Citizen Jazz. Avec son titre un peu nostalgique, Those Were The Days (qu’on pourrait traduire par « C’était le bon temps ») est le second album de Sylvain Courtney, après sa Bal(l)ade Faubourg qui avait vu le jour en 2007. Qui connaît un peu Sylvain saura que ce disque lui ressemble : paisible, fluide et élégant, un peu à l’image de sa longue silhouette et d’une convivialité jamais forcée. Au-delà d’influences revendiquées (notamment celle de la génération de jeunes guitaristes tels que Jonathan Kreisberg ou Lage Lund), Sylvain Courtney sait capter l’attention par un phrasé dont l’expressivité chaleureuse n’est jamais entravée par une technique trop démonstrative. Voilà un disque bienfaisant, d’une sérénité virtuose mais limpide, qui très vite circule en vous pour s’insinuer tranquillement dans votre discothèque des jours de soleil.

En écoute : « Those Were The Days », extrait de l’album éponyme par le Sylvain Courtney Quartet.

Sylvain Courtney : guitare ; Jean-Yves Jung (piano) ; Damien Varaillon (contrebasse) ; Jean-Marc Robin (batterie) + Michael Alizon (saxophone).

Eclipse

Pour une fois, je n’abuserai ni des mots, ni même de ce travers dont je me régale : la confection de phrases interminables. Je veux simplement partager avec vous une photographie que je trouve magnifique.

Mon ami Jacky Joannès, en grand chasseur de portraits de musiciens, était l’autre jour au pied de la scène du Chapiteau de la Pépinière, pendant un concert que le saxophoniste Charles Lloyd donnait dans le cadre du festival Nancy Jazz Pulsations.

Et soudain, il a vu ça…

Ah qu'il est beau cet instant fugace durant lequel la silhouette du musicien s’est dessinée, juste par un effet d’éclipse d’un projecteur. C’est admirable. Je ne saurai jamais assez remercier l'ami Jacky pour la joie que peuvent procurer tous ses coups d’œil. Quand un regard plein de lumière nous offre de tels petits miracles visuels, on s’incline et on savoure…