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MUSIQUES BUISSONNIERES

  • Manassas ou une certaine idée de la perfection

    Stephen Stills - Manassas.jpgEn 1972, Stephen Stills n'avait plus rien à prouver. Après l'aventure Buffalo Springfield de 1966 à 1968 – avec, entre autres musiciens complices, un certain Neil Young – et celle, plus durable, entreprise avec Graham Nash et David Crosby (puis... Neil Young bien sûr), notre homme était déjà au sommet de son art. Pourtant, c'est peut-être cette année-là qu'il commit, entouré d'un combo de luxe à l'énergie revitalisante, un album magnifique qui reste, par-delà les années, un sommet dans l'histoire du rock américain.

    Comment définir ce disque – à l'origine un double 33 tours aujourd'hui réédité sous la forme d'un CD – autrement qu'en multipliant les superlatifs ?
     
    Virtuose. Indémodable. Habité. Chaleureux. Flamboyant.
     
    Pas besoin d'en ajouter... Nous sommes en présence de 72 minutes très inspirées, dont jamais la tension ne retombe. Avec Manassas, Stephen Stills nous convie à un voyage qu'il a voulu décomposer en quatre phases (à l'origine, une par face du double album) : The Raven, The Wilderness, Consider et Rock & Roll Is Here To Stay. Un périple au cours duquel il a inventé avec un réel bonheur un savant cocktail de blues, rock, folk et country rock, sans que l'impression d'harmonie de l'ensemble ne soit rompue un seul instant. Les titres s'enchaînent dans la fluidité, souvent sans pause ; ils sont enluminés par une chorale de guitares et de voix qui semble survoler avec beaucoup de grâce une rythmique aux accents souvent latino-américains. Les sept musiciens du projet Manassas, outre Stephen Stills lui-même, ont pour nom Chris Hillman (ex-Byrds), Al Perkins, Dallas Taylor, Paul Harris, Fuzzy Samuels et Joe Lala (auxquels viennent s'ajouter ça et là quelques invités, dont un certain Bill Wyman à la basse), sont au service d'une musique intemporelle qui – admettons-le – n'a pas pris la moindre ride, peut-être tout simplement parce qu'elle refusait d'emblée toute concession aux modes de son époque.
     
    Certains musiciens disent qu'ils ne composent pas la musique qu'ils jouent, mais qu'ils en sont plutôt les récepteurs et les vecteurs. Si tel fut le cas pour Stephen Stills en cette année 1972, alors nul doute qu'il eut ce talent fou d'être un medium ; on ne le remerciera jamais assez du cadeau qu'il nous a fait en livrant un tel album ! Dédié à Jimi Hendrix, Al Wilson et Duane Allman, Manassas continue de livrer, un à un, tous ses secrets, 45 ans après sa sortie, dans un enchantement jamais démenti. J'ai beau chercher... Pas moyen de lui trouver le moindre défaut : il ne faudra pas voir dans cette admiration presque béate une quelconque nostalgie du paradis perdu des années adolescentes. Déjà, au moment de sa sortie, ce disque semblait habité de magie et je serais incapable de compter le nombre de fois où, bien plus tard, au volant de ma voiture, j'ai pu l'écouter au petit matin, savourant avec délectation les bienfaits de cette drôle de médecine sonore alors que je m'échappais sur la route des vacances. Il y avait comme une concordance parfaite entre mon esprit libéré par la perspective de quelques jours passés en dehors d'un quotidien balisé et la sérénité tranquille de cette musique à la fois humble et riche.
     
    A bien réfléchir, on se rend compte aussi que cette expérience fut, d'une certaine façon, sans lendemain. En 1973, le groupe repartait en studio pour ajouter un second épisode à son histoire. Mais allez savoir pourquoi, ce nouveau disque appelé Down The Road fut ressenti par beaucoup comme une vraie déception. L'équipe était pourtant là, au complet... Sauf que le ressort semblait s'être cassé entre-temps. Non que le disque pût être qualifié de « mauvais », tant s'en faut, mais plutôt parce qu'encore pris dans la tenaille magique de son prédécesseur, on était presque surpris de s'apercevoir que le résultat n'était pas à la hauteur des espérances qu'il avait pu faire naître. Il faut être réaliste : quel que soit le talent de l'artiste, celui-ci ne peut prétendre tutoyer les sommets durant toute savie. Mais chacun d'entre nous avait tellement reçu qu'il eut été ingrat de nourrir le moindre ressentiment à l'égard de Stephen Stills. Manassas était à nos côtés, sa présence rassurante nous suffisait. Il suffisait, et il suffit toujours, de le poser sur la platine au gré de ses envies pour comprendre la rareté des instants que procure ce disque.
     
    Ce qu'à titre personnel il m'arrive de faire encore bien souvent... Comme hier encore. Et puis ce matin, aussi...

    Allez, pour le plaisir, voici un petit extrait de Manassas... choisi presque au hasard, car j'aurais pu vous proposer n'importe laquelle des 21 compositions de ce disque !
     
     
    Et comme toujours, pour en savoir plus...

  • Sous l’emprise de King Crimson

    king_crimson_radical_action.jpgIl est parfois des coïncidences étranges et tristes… Alors que je m’apprêtais à prendre mon stylo (qui ressemble furieusement à un clavier la plupart du temps) pour évoquer non sans enthousiasme la dernière production discographique de King Crimson, j’ai appris la mort de Greg Lake à l’âge de soixante-neuf ans. Lui qui fut le chanteur du groupe du temps de sa première époque et en particulier celle de l’album mythique In The Court Of The Crimson King en 1969 ; lui qui s’en échappa pour devenir la lettre L du trio ELP (comprenez Emerson Lake & Palmer, une formation dont seul le P est en vie désormais), adepte du rock symphonique, à la limite parfois de la grandiloquence, mais qui restera l’un de mes grands compagnons de musique durant la première moitié des années 70 (et grâce auquel j’ai pu m’ouvrir les premières portes de la musique classique) ; lui qui était une voix sublime, sans nul doute l’une des plus belles de toute l’histoire du rock. Le voici donc parti, en route vers un ailleurs où il va retrouver tant de mes vieilles idoles… Je lui dédie ce petit texte avec d’autant plus d’émotion que Greg Lake reste très présent dans la musique de l’actuel King Crimson, ne serait-ce qu’en raison de l’interprétation des thèmes majeurs qu’il avait chantés à l’époque mais aussi de l’influence qu’exerce aujourd’hui encore son chant sur le travail de son successeur.

    Je reviens donc à mon point de départ, lié à une réelle frustration. Celle d’avoir manqué un récent concert du groupe à Paris. Une stupidité d’autant plus incompréhensible que dans mon petit roman La Part des Anches (que vous pouvez vous procurer auprès de moi si vous le souhaitez en m’adressant un e-mail à lapartdesanches@orange.fr), les deux personnages principaux se retrouvent à l’Olympia le 21 septembre 2015 pour un concert de… je ne vous dis pas qui, vous avez déjà compris. Comment ai-je pu me louper à ce point ? Suis-je bien certain que l’histoire repassera les plats ? Et ce ne sont pas les commentaires enthousiastes de quelques musiciens présents ce soir-là comme Richard Pinhas ou Yves Rousseau qui adouciront ma peine. Encore que je doive ici remercier ce dernier qui, constatant mon désappointement, a eu la gentillesse de me faire parvenir aussitôt un court enregistrement dans lequel ce contrebassiste raffiné interprète en solo la mélodie de « In The Court Of The Crimson King ». Il est des élégances qu’on se doit de souligner. Merci donc, monsieur Rousseau !

    Alors oui, c'est vrai que je m'en veux énormément de n'avoir pas eu le culot d'effectuer dimanche dernier le déplacement à l'Olympia pour le concert de King Crimson. Afin de rattraper un tant soit peu cette erreur vis-à-vis d'un groupe que j'admire depuis plus de 45 ans (je ne remercierai jamais assez mon frère d’en avoir acheté le premier disque au moment de sa sortie) et dont la musique me semble intacte aujourd'hui encore, je me suis plongé dans le récent coffret Radical Action To Unseat The Hold Of Monkey Mind (un titre que vous pourrez traduire par « Action radicale pour se libérer de l’emprise de l’esprit singe »), publié au mois de septembre dernier et que j’ai décidé de commander sans attendre. Soit un bel objet reçu vingt-quatre heures plus tard, composé de trois CD, deux DVD, un Blue Ray, et d’un livret avec de nombreuses photographies. Ou encore cent soixante minutes de musique enregistrée live en 2015, offrant un somptueux passage en revue du répertoire, toutes époques confondues.

    Une claque !

    Pour ne rien vous cacher, j'étais un peu sceptique a priori sur la formule à trois batteurs qui est désormais celle de King Crimson. Je craignais d’être submergé par un flot de percussions, qui prendrait le pouvoir de manière autoritaire sur les autres instruments. Erreur fatale ! Un premier visionnage du concert m'a apporté la preuve, une fois encore, du génie de Robert Fripp, démiurge impassible de King Crimson. Non seulement ces batteries, propulsées par Bill Rieflin, Pat Mastelotto et Gavin Harrison, ne saturent en rien l’espace sonore, mais elles constituent au contraire une sorte de flux naturel, aux couleurs complémentaires, sur lequel vient s’épanouir un répertoire qu’on sait incomparable. Mieux, les trois batteurs sont souvent les agents très actifs de la transition entre les différentes compositions. Placés sur le devant de la scène, leurs instruments en action sont de surcroît un régal pour les yeux. Dont acte.

    C'est monumental, Robert Fripp est un extra-terrestre, lui qui a compris tout le parti qu’il pouvait tirer d’une telle formule et donner une force inouïe à sa musique. Qui non seulement n’a pas pris une ride mais se présente aujourd’hui plus que jamais comme une réponse cinglante à toutes les productions insipides qui, elles au contraire, ne manquent jamais de nous envahir. La musique de King Crimson a quelque chose à voir avec un manifeste. On l’a affiliée un temps au courant du rock progressif au prétexte qu'elle se parait d'atours symphoniques : c’est une erreur à mon sens. C’est bien du rock, oui, puissant et mélodique à la fois, mais un rock avant tout insoumis et d’une vraie radicalité électrique. Une musique exigeante, complexe et singulière, sans équivalent.

    Et puis, tout de même… la guitare de Fripp ! Un son légendaire (si vous ignorez King Crimson, vous avez au moins une fois dans votre vie écouté « Heroes » de David Bowie), tantôt rugueux, martial, entêtant et métallique, tantôt planant, électronique et spatial. Et toujours fascinant par son caractère unique. Le grand Robert est de ceux, très rares, dont la sonorité est immédiatement identifiable. Fripp a inventé un son (au point qu’il a développé des frippertronics), la musique de King Crimson est en elle-même un idiome. Un cas unique, d’une longévité exceptionnelle, rythmé en plusieurs époques d’esthétiques distinctes, qui se trouvent aujourd’hui unifiées pour longtemps.

    Chance pour nous tous, le groupe peut s’enorgueillir de la présence de Mel Collins aux saxophones et à la flûte, lui qui était déjà de la partie aux premières heures du groupe avant de s’éclipser pour revenir faire un petit tour en 1974 sur « Starless » en conclusion de l’album Red, autre référence majeure de l’histoire crimsonienne. Une richesse humaine et musicale augmentée de belle façon par un autre membre historique, Tony Levin (apparu dès le début des années 80 avec l’album Discipline) à la basse et au stick Chapman. Je vous laisse imaginer la puissance de la rythmique ainsi constituée, c’est monstrueux. Cerise sur ce gâteau royal et cramoisi, le guitariste chanteur Jakko Jakszyk, déjà présent aux côtés de Fripp et Collins en 2009 pour A Scarcity Of Miracles. Et qui avait aussi intégré le 21st Century Schizoid Band avec d’autres membres fondateurs de King Crimson (Mel Collins, Ian McDonald, Peter et Michael Giles). Un membre de la famille, en quelque sorte et certainement un chanteur qui s’avère le digne successeur des anciens (Greg Lake, John Wetton, Adrian Belew).

    On l’aura compris : ce King Crimson-là est une réunion au sommet, un temps fort de l’histoire du groupe (alors qu’on pouvait craindre une relecture par trop nostalgique du répertoire, ce qui était sans compter avec l’exigence maniaque de Robert Fripp) qui, s’il n’a pas encore vraiment développé un nouveau répertoire, fait ici une démonstration à couper le souffle. Avec Radical Action To Unseat The Hold Of Monkey Mind, nous tenons-là une somme indispensable qui conduit inéluctablement à se précipiter sur les enregistrements originaux pour mieux comprendre encore à quel point ceux qui ont vécu cette histoire depuis le début sont de petits veinards. Même quand ils ont loupé le récent concert à l’Olympia.

    Notre esprit a besoin de s’agripper constamment à une émotion ou une pensée, il passe sans cesse de l’une à l’autre, comme par peur du vide. Ainsi peut-on définir simplement l’esprit singe. King Crimson nous invite donc à investir l’espace se situant entre deux sensations : je ne sais pas si un objectif aussi ambitieux peut être atteint par la seule écoute de ces quasi trois heures de musique. Ça vaut peut-être le coup d’essayer, non ?

  • Vous reprendrez bien un peu de désert ?

    white_desert_orchestra.jpgVous voulez que je vous dise ? Je pense être tombé définitivement amoureux de la musique d’Ève Risser… Pour tout vous dire, voilà deux fois en peu de temps qu’elle me fait le coup de la séduction. L’année dernière, elle s’était pointée en solo, aux commandes de son piano plus ou moins préparé, pour s’avancer doucement, presque en silence, dans la douceur feutrée de ses Pas sur la neige et leur petit clin d’œil à Claude Debussy. Je lui avais consacré une chronique dont le titre était déjà aussi désastreux que celui d’aujourd’hui, mais il s’agissait d’un texte dont l’ambition, on ne peut plus sincère, était de dire en quelques paragraphes tous les bonheurs vécus à la confrontation d’une musique paraissant s’inventer devant moi, pour moi.

    Ève Risser récidive. C’est en quelque sorte une récidève… ou plutôt un nouveau récit d’Ève, une belle histoire glacée, aux milles détours et accidents successifs, accordant une même place aux images et aux sons. Surtout, il ne s’agit pas de n’importe quel récit, parce que cette fois, la dame est accompagnée et de bien belle façon. Ils sont neuf autour d’elle qui forment le White Desert Orchestra, un tentet faisant la part belle au souffle et à la confection d’une myriade de détails mutins, une formation qui sait aussi bien esquiver la mélodie que fourmiller de trouvailles sonores et d'arrangements entêtants. Les deux versants se regardent : voilà un titre qui intrigue et s’explique par le fait que la pianiste a voulu – on me permettra de la citer – « transcrire la tension créée par l’air vibrant dans les canyons, lieux puissants où la Terre nous montre ses vieilles cicatrices ». Rassurez-vous et ne craignez pas le vertige car l’inspiration, si minérale et géologique soit-elle, peut s'avérer parfois plus quotidienne, comme lorsque’Ève Risser compose sous l’influence de voisins dont les travaux à la perceuse nourrissent le jeu du basson ou du trombone. Surtout, de la première à la dernière seconde, ce disque est captivant, porteur d’un sang neuf dont on tant besoin en ces temps de sinistrose et d'appels malsains au retour à des valeurs desséchées.

    Le propos initial d'Ève Risser est intéressant. Mais là, à mon sens, n’est pas forcément l’essentiel pour celui ou celle qui va entrer dans son monde singulier. Parce qu’à l’écoute de ce disque magnétique traversé d’une douce arythmie et de quelques soubresauts chahuteurs ; à l'exploration d'une musique qui demandera à chacun la plus grande attention pour en déceler les beautés suggérées, empreintes des mystères surgis de paysages majestueux, on tombe sous le charme d’une symphonie en glissements mineurs et précipitations sonores. Ici, les instruments peuvent chanter, comme savent le faire la plupart de leurs condisciples, mais il leur faut dire plus, et autrement, parce que répéter ce que les autres savent déjà est sans intérêt. Il y a mieux à faire : souffler, parler, grogner, crier, crisser, lancer des appels vibrants, agencer en déphasages et imbrications successives des textures aux couleurs changeantes, nourrir une forme d’hypnose. Ève Risser se dit influencée par la scène musicale scandinave et les pays nordiques. On veut bien la croire tant il est vrai que son désert blanc impose des étendues immobiles, parfois désolées, face auxquelles on retient son souffle. Bruit, silence, bruit, repos… Jour et nuit.

    Il y a du beau monde dans le White Desert Orchestra, et notamment quelques jeunes pousses qu’on suit du coin de l’oreille depuis quelque temps déjà. Je vous fais grâce de leur biographie (très fournie) mais je ne peux omettre de les citer : Sylvaine Hélary (flûtes, voix), Antonin Tri-Hoang (saxophone, clarinettes), Benjamin Dousteyssier (saxophones), Sophie Bernado (basson, voix), Eivind Lenning (trompette), Fidel Fourneyron (trombone), Julien Desprez (guitares), Fanny Lasfargues (basse, voix), sans oublier l’inénarrable Sylvain Darrifourcq (batterie, percussions) dont on sait la capacité à surprendre. Une belle brochette d’explorateurs pour se lancer à la conquête de contrées nouvelles. Notez au passage la présence de quatre femmes, ce qui ne peut qu’enthousiasmer tant une telle proportion demeure rare dans le monde du jaaaaze, aujourd’hui encore. Et puis, finalement, cette musique, qu’est-elle vraiment ? Jazz ? Musique contemporaine ? Je n’en sais fichtre rien : elle existe, tenace et persistante et c’est déjà beaucoup. Elle se fraie son propre chemin, suivez-la.

    Je vais vous faire une confidence qui vous paraîtra peut-être un peu ridicule, mais je prends le risque de susciter votre moquerie. Les deux versants se regardent m’a vite plongé dans un état de plaisir voisin de celui qu’il m’est arrivé de connaître au contact de musiques qui me semblaient inouïes (prenez ce mot dans son sens premier), il y a fort longtemps. Tenez par exemple, une composition, débridée, chaotique, convulsive comme « Tent Rocks » m’a ramené une quarantaine d’années en arrière, quand j’assouvissais ma soif d’émotions inédites en me frottant à l’univers déjanté des anglais d’Henry Cow (Fred Frith, Chris Cutler, Dagmar Krause, Tim Hodgkinson, John Greaves) à l’époque des albums Leg End, Unrest ou In Praise Of Learning. Comprenez-moi bien : je ne compare pas les formations mais les sensations produites et une volonté commune de dynamiter les codes en vigueur. Les deux versants se regardent est à cet égard une déclaration d’explosion.

    Ève Risser et ses camarades ne swinguent pas, ne groovent pas non plus, ils ne sont les gardiens d’aucune tradition autre que celle consistant à surprendre collectivement : ils avancent, d’abord doucement, vous tournent autour, vous enveloppent pour mieux vous secouer à la première occasion, vous électrocuter, ils vous questionnent et réussissent à faire tomber toutes vos résistances à force d’imaginer une musique qui soit bien la leur. Ils dédient par ailleurs cet album (publié sur le label Clean Feed) au regretté Grégoire Gensse, récemment disparu à un âge où la vie ne fait que commencer pour la plupart des humains. Lui qui avait fourbi avec le Very Big Experimental Toubifri Orchestra un Waiting In The Toaster à l’imagination aussi insolente que celle de ce nouveau disque d’une pianiste en plein accomplissement. Et dont le rayonnement irradie les musiciens qui évoluent avec elle.

    Les deux versants se regardent ? Oui, sans doute. Mais surtout, ils s’écoutent. Et souvent…

  • Un insoumis s’est envolé

    C’est une très mauvaise blague que vient de nous faire Dominique Répécaud, en cette époque brunâtre où la « Douce France » aujourd’hui bien desséchée va se déchirer pour longtemps à force de s’écarteler entre droite extrême et extrême droite, comme nous le promet dans un élan auto-satisfait une médiacratie ratiocineuse tétant au pis malsain d’instituts de sondages patentés. C’est pourtant tous ces artistes acteurs insoumis comme lui dont nous aurons un immense besoin dans les temps à venir. Mais voilà, le directeur du CCAM de Vandoeuvre-lès-Nancy, dont il avait fait une scène nationale, par ailleurs âme du festival Musique Action, vient de passer de l’autre côté. Son cœur l’a abandonné, peut-être à force d’avoir battu trop fort pour toutes ces musiques de traverses qui coulaient dans ses veines de guitariste depuis toujours. Il avait 61 ans, un âge pour vivre encore longtemps et partager sans relâche ses passions singulières et généreuses.

    A peine avais-je appris la mort de ce grand monsieur que je me suis lancé dans l’écriture d’un petit hommage pour le compte de mon cher magazine Citizen Jazz. Un exercice à la fois douloureux et humble face à l’histoire d’une personnalité hors normes, qui va laisser un vide immense chez tous les humains créateurs épris de liberté.

    repecaud_praag.jpgEn pensant à lui, à tout ce qu’il avait entrepris, à ce qu’il envisageait de poursuivre (il devait passer la main au CCAM et voulait se consacrer entièrement à la musique), j’ai écouté une fois encore Souzdarmah, le disque de ce quartet à nul autre pareil, PRAAG, où sa guitare abrasive, distordue, sa guitare cri fait résonner dans le feu la vibration qui parcourait tout son être. Dominique Répécaud y évolue aux côtés d’Anthony Laguerre (batterie et synthétiseurs), Hugues Reinert (basse) et notre cher camarade Antoine Arlot (saxophone et voix), auquel je pense très fort en ces moments douloureux.

    Et je me dis que cet album puissant, porté par un souffle incendiaire, qui a vu le jour en 2015, est peut-être la plus belle réponse qu’on puisse apporter en ces jours tristes, tant il est un concentré d’énergie brute que je n’ose plus qualifier de vitale aujourd’hui, mais dont la tempête mériterait d’être soufflée en direction de bien des oreilles fermées.

    Je lui dédie, à ma façon, un très court texte, une sorte de poème urbain surgi de mon imagination, ce matin-même, alors que j'écoutais Souzdarmah en parcourant à pied d'un pas rapide, comme chaque jour, les rues de Nancy encore endormies.

    Souzdarmah.
    Musique du déferlement (« Volnikass ») ;
    Musique des invocations hallucinées (« Nirikosti ») ;
    Musique de l’après, quand il ne reste plus rien, ou presque (« Nalcilcini ») ;
    Musique des silences et des espaces inquiets, porteurs d’une inextinguible soif de ne pas se taire, plus que de noirceur et de désespérance (« Shokiaroliki ») ;
    Musique des profondeurs sondées quand les réponses sont en chacun de nous (« Silnivitr »).

    Adieu l’ami et merci pour tout ce que tu as été et resteras.

  • Rome, unique objet de mon assentiment

    ONJ_Europa_Rome.jpgJe suis en cet instant incapable d’écrire une chronique aussi finement ciselée que celle que mon camarade Franpi a consacrée voici peu, dans notre chez magazine Citizen Jazz, à Europa Rome, troisième volet des aventures de l’ONJ sous la direction d’Olivier Benoit. D’ailleurs, le meilleur conseil que je pourrais vous donner est simple : lisez-la. Non mais c’est vrai, quoi, c’est parfaitement documenté et je suis en tous points d’accord avec lui. Pourtant, je me sentirais un peu confus de ne pas ajouter mon humble pierre à un édifice d’une stupéfiante beauté. Oui, je pèse mes mots : cette musique est belle, fulgurante, c’est un exercice de haute voltige – aussi bien dans ses élans collectifs que dans les interventions des solistes, celles-ci étant finalement restreintes au minimum imposé par l’urgence – qui nous entraîne souvent dans un tourbillon et provoque l’étourdissement. Il y a dans cette heure très inspirée de quoi nourrir bien des soifs et, pour ce qui me concerne, assouvir ma passion envers certaines expressions hors des sentiers battus.

    Europa Rome est de ces disques qui dérangent, en ce qu’il n’est jamais prévisible et sait passer d’une frénésie massive aux moments suspendus, plus minimalistes, sans que jamais la question d’une construction qui serait par nature artificielle ne se pose. Bien sûr, le travail d’écriture est prédominant, mais il ne bride en rien la fougue des musiciens. J’ai entendu ou lu çà et là quelques réserves sur Europa Rome. C’est normal quand on a affaire à des musiciens qui ne cherchent pas le consensus tiédasse à tout prix – vous savez, ce jazz qu’on aime quand on n’aime pas le jazz, il y a même des collections pour ça - et qu’on a pour ambition de conserver à son travail toute la dimension exploratoire qu’exige de fait une formation telle que l’ONJ. Qui, selon moi, doit rester un laboratoire et un champ d’expérimentation ouvert à tous les modelages sonores.

    Et c’est vrai qu’Olivier Benoit n’a pas choisi la facilité en demandant à deux compositeurs de musique dite contemporaine de créer ce nouveau répertoire. D’un côté, le Français Benjamin de la Fuente et sa suite « In Vino Veritas » ; de l’autre, l’Italien Andrea Agostini et « Rome : A Tone Poem Of Sorts ». Le premier n’est pas un inconnu pour l’équipe ONJ puisqu’il est par ailleurs membre de Caravaggio, un quatuor dans lequel évoluent Bruno Chevillon, un temps associé à cette mouture de l’orchestre, ainsi qu’Éric Échampard, son actuel batteur. Et si le second paraît plus éloigné, il est important de souligner que son ouverture stylistique peut l’amener à s’intéresser à des formes de musiques diverses, rock et improvisation inclus, sans compter une passion pour l’électronique. Et là, j’aimerais dissiper sans plus attendre un possible malentendu : on arrête de s’affoler à la simple idée de musique contemporaine. Et d’imaginer un truc ennuyeux, bruitiste, destructeur de mélodie et contemplateur de nombril. Ça peut arriver, c’est vrai, mais pas ici. Mais alors pas du tout.

    J’ai avalé goulument Europa Rome dès la première écoute à la fin du mois de septembre, émerveillé par la puissance d’une rythmique obstinée au cœur de laquelle la basse de Sylvain Daniel résonne d’accents très Zeuhl (oui, je sais, je sors cet argument assez souvent mais écoutez d’abord avant de ricaner, vous pourriez être d’accord avec moi), voire Crimsoniens. L’orchestre tout entier est très vite emporté par un étourdissement qui me ramène à la vie de Rome, son quotidien de l’agitation et ses mouvements incessants. Ses mystères aussi, et tout le poids de son histoire. Je ne suis ni historien, ni géographe ni sociologue, mais pour avoir eu le privilège d’arpenter les rues de la ville éternelle, c’est bien ce qui m’a sauté à la figure aux premières heures et que je retrouve là, dans une expression tendue qui fait écho à ce que chacun peut y vivre. Ah ce ballet des soufflants : clarinette (Jean Dousteyssier), trombone (Fidel Fourneyron), trompette (Fabrice Martinez), saxophones (Alexandra Grimal et Hugues Mayot) ; ah le frisson mêlé des cordes et des claviers (Théo Ceccaldi, Didier Aschour, Sophie Agnel, Paul Brousseau). Et puis… cette satanée basse venue des bas-fonds, bien sale comme il faut… Cette alternance de fulgurances et de climats plus ténébreux, mystérieux, ces jeux d’ombre et de lumière, toutes ces histoires qu’on devine ou imagine, venues du passé comme du présent.

    Que voulez-vous, c'est par ce genre de sortilèges que la musique m'ensorcelle, un point c’est tout.

    Les deux compositions, pour différentes qu’elles soient, n’en dessinent pas moins un unique et saisissant portrait de Rome et de ses beautés : Benjamin de la Fuente évoque sa relation avec la ville lors de ses différents séjours et tous les contrastes qu’il a pu ressentir en y vivant. On peut même y entendre des extraits de Gente Di Roma, un film d’Ettore Scola qui en est en quelque sorte le point de départ et qui - là je cite une encyclopédie bien connue - « propose une promenade au cœur de la ville éternelle… En bus, du lever du jour (avec les balayeurs) jusqu’à la nuit, où se déroulent de petites scènes de la vie quotidienne ». Quant aux deux mouvements « Esuberenza 1 » et « Esuberenza 2 », noyau dur de « In Vino Veritas », ils constituent à mon humble avis un sommet dans ce troisième voyage auquel nous convie Olivier Benoit.

    Andrea Agostini, quant à lui, dit ne pas avoir voulu traduire sa perception de Rome sous une forme « impressionniste » mais plutôt avoir cherché à en traduire par sa construction la complexité historique et architecturale tout en préservant, je le cite « la sensualité et l’expressivité parfois fragile, parfois brutale, de la matière sonore ». C’est peut-être pour cette raison qu’on retient son souffle tout au long de son « Rome : A Tone Poem Of Sorts » habité de mille mystères et autres visions hallucinées.

    onj olivier benoit,europa rome

    Les mots, les intentions, les réalisations, l’interprétation... Tout cela est important, c’est vrai. Mais balayons-les un instant pour se laisser emporter par ces deux perceptions amoureuses d’une ville à jamais singulière. En Italien, Rome se dit « Roma », soit « Amor » quand on le lit dans l’autre sens. Une double signification traduite par une double vision et une formation en ébullition. Europa Rome sera prochainement suivi par un quatrième voyage, le dernier de cet ONJ, qui nous conduira à Oslo. Mes bagages sont prêts.

  • ¡Liberté!

    pierre_durand_libertad.jpgQuatre ans, déjà ? Oui, c’est à l’automne 2012 que j’avais évoqué ici-même le premier disque, une aventure en solo, du guitariste Pierre Durand. Ce Chapter One : NOLA Improvisations, avait vu le jour sur le label Les disques de Lily, hôte d’une suite tout aussi belle et publiée en ce jour de septembre. Oui, une suite si l’on en croit le titre de ce disque, en quartet cette fois, que le musicien publie aujourd’hui même : Chapter Two : ¡Libertad! (Attention aux points d’exclamation symétriques qui entourent le mot « Libertad »). Je ne vais pas tomber dans la facilité consistant à m’auto-citer, mais s’il vous prend l’envie d’en savoir plus sur ce que j’écrivais à l’époque, je vous invite à relire ma chronique. Ce que je ressentais alors, je le ressens toujours.

    Cette fois, Pierre Durand n’est pas seul. C’est à la tête de son Roots 4tet qu’il revient. À ses côtés : Hugues Mayot, actuel saxophoniste de l’ONJ d’Olivier Benoit ; Guido Zorn, un contrebassiste habitué de la sphère NOLA, notamment en duo avec Pierre Durand, et qu’on avait croisé par ailleurs au sein du groupe Rocking Chair d’Airelle Besson et Sylvain Rifflet ; Joe Quitzke enfin, batteur voyageur dont on peut apprécier les collaborations dans le trio de Matthieu Donarier ou avec François Jeanneau. Du beau monde, armé d'une expérience qui compte pour beaucoup dans la réussite de ce nouveau disque dont Pierre Durand aime à souligner la genèse, à rebours de certaines pratiques actuelles : « Avec ce groupe, j’ai voulu fonctionner à l’ancienne : on joue d’abord, on enregistre après. Pas l’inverse ». Le premier chapitre contenait une forte dose d’Afrique. Celle-ci est évidemment présente dans le deuxième et ce dès les premières secondes de « Tribute » et son évocation des origines du jazz : l’Afrique, la traite négrière, la rencontre avec l’harmonie européenne. Mais ¡Libertad! veut embrasser tous les continents, toutes les cultures (vous pourrez entendre ici des chants indiens comme une mélodie d'inspiration celtique ou caribéenne), toutes les différences et les unir dans un même chant au cœur duquel la guitare de Pierre Durand – l’une des plus belles qui puissent se concevoir tant elle est habitée d’une empathie et d’une générosité brûlante qui en font oublier jusqu’à la virtuosité – œuvre à ce qui est présenté ici comme un « plaidoyer pour le différence, le risque et la sincérité », histoire de refléter une démarche consistant à mélanger les cultures à l’imprévu. Voilà une déclaration qu’on est heureux de lire, en ces temps où la stigmatisation de l’autre semble devenue la règle commune.

    Je vais ici vous faire une confidence, approchez-vous s’il vous plaît : je tiens Pierre Durand pour l’un des musiciens les plus passionnants de la scène musicale actuelle. Ayant été nourri au rock, au blues ainsi qu’à quelques autres brouets rugueux avant de pousser la porte du jazz, je ne peux qu’être sensible à une démarche non seulement œcuménique mais véhiculée par une sonorité électrique aux nuances multipliées qui force mon étonnement et mon admiration. Musicien hyper sensible, ce fils spirituel de John Scofield nous gâte de surcroît en 2016 puisqu’on avait pu le retrouver au début de l’année dans le réjouissant quartet Dreamers de Sébastien Texier et, tout prochainement, dans un autre quatuor non moins goûteux, celui du tromboniste Daniel Zimmermann et ses Montagnes Russes. Durand, c’est un guitariste gorgé de blues, avant tout, un blues profond qui tient en tenaille chacune de ses notes dont il peut à sa guise démultiplier les couleurs au gré de compositions sonnant comme des hymnes virant au blues à la gravité Coltranienne (« Tribute »), d'incursions vers un blues rock farouche (« White Dogs »), d'une chanson festive sans paroles soudain traversée par une musique semblant inspirée de Bach (« What You Make & What You Choose ») ou de ballades poignantes (« LLora, Tu Hijo Ha Muerto », « My Fighting Irish Girl », « Les noces de Menthe »).

    Chez Pierre Durand, la mélodie est une nécessité, tout comme son besoin de raconter des histoires et de concilier toutes les traditions. Avec ses amis, ensemble, en toute fluidité, il dessine à grands traits enluminés et vibrants un univers à la fois chanté et enchanté. Le Roots 4tet sonne comme un seul homme, le chant d’Hugues Mayot est le contrepoint parfait de celui du guitariste, dans une conjonction des émotions. Les quatre musiciens tutoient la musique de l’âme, ni plus ni moins. Et je préfère vous prévenir dès aujourd’hui : ¡Libertad! est un disque un brin addictif. Il m’est déjà arrivé de décrire ce phénomène à plusieurs reprises, parce qu’il est facile d’en analyser les symptômes. C’est comme un boomerang qu’on lance au loin et qui revient vers vous à chaque fois. Voilà plusieurs semaines que j’écoute ce deuxième chapitre presque en boucle et que j’appelle déjà de tous mes vœux le troisième. Je suis prêt.

  • La part des anches

    Jacky Joannès et moi-même étions récemment invités dans l'émission Jazz Time de notre ami Gérard Jacquemin sur Radio Déclic.

    Voici, dans son intégralité, cet entretien dans lequel nous expliquons la naissance et la conception de notre exposition commune La Part des Anches, ses 50 portraits et les extraits du roman que j'ai écrit à cette occasion. Celle-ci se tient à la médiatèque Gérard Thirion de Laxou, en association avec Nancy Jazz Pulsations.

    Voici par ailleurs un extrait vidéo de cet entretien.

    Enfin, cerise sur le gâteau, La part des anches, c'est aussi un livre réplication de l'exposition avec par ailleurs le texte intégral de mon roman. Ce que nous expliquons d'ailleurs dans l'entretien avec Gérard Jacquemin. Vous pouvez le commander ICI.

  • Il était une fois intime

    Minvielle.jpgJe vais vous faire une confidence : la musique m’offre un nombre assez impressionnant de moments de découverte sous le signe du ravissement. Il est bien rare qu’une semaine s’écoule sans qu’un disque ne m’ait emporté ailleurs, cet ailleurs où l’imagination est reine et le voyage source d’une rêverie chaque jour plus nécessaire que la veille. C’est un privilège, j’en suis conscient. Mais il est un peu plus rare que la jubilation l'emporte sur tout le reste. Parce qu’il faut pouvoir être capable de jubiler en ce monde gris, à moins d’être inconscient ou plus simplement poussé à le faire sous les coups de boutoir antropophoniques d’un artiste pas comme les autres qui vous ouvrira les portes de ses petites folies. Je suis très chanceux car je viens d’en croiser un sur ma route buissonnière.

    Car André Minvielle est de ceux-là, lui qui pratique ce qu’il appelle parfois la voc’alchimie avec son brouet foutraque et bouillonnant de chanson française, de blues, de scat voire de rap. Ce chanteur, percussionniste à ses heures, proche d’un Bernard Lubat dont on connaît les agitactions, est hanté par une danse frénétique qui bouscule ses mots chantés en français ou en occitan et fait chavirer ses portées sur le fil d’une frénésie vite contagieuse. Et très contagieuse même, puisque celle-ci vous inocule sans coup férir cette joie d’exister que vous ne soupçonniez peut-être pas quelques secondes auparavant, fût-elle de courte durée. La jubilation, vous dis-je !

    Le voici donc qui exhibe non sans une légitime fierté 1time, que vous prononcerez selon votre humeur « intime » ou « one time ». Soit, comme le dit lui-même ce personnage singulier et généreux, cinquante-sept minutes de déterritorialisation musicale française où viennent parader Bernard Lubat, ici comme chez lui ; le trio Journal Intime (que j’évoquerai prochainement en raison de sa collaboration avec le guitariste Marc Ducret sur l’album Paysages, avec bruits qui a vu le jour chez Abalone) ; Georges Baux et sa ronflante bass Moog ; le chanteur Abdel Sefsaf, « nègre blanc stéphanois » fondateur du groupe Dezoriental, capable de fusionner raï, rap, rock et musette ; ou bien encore le joyeux et bigarré Ti’Bal Tribal.

    1time, c’est un disque dont on se demande par quel bout le prendre, un lieu d’expérimentation, un joyeux bordel ambiant que ne renierait pas Marcel Duchamp, c’est un laboratoire dont le savant un peu fou bidouille les alambics chansonniers avec gourmandise et vous fabrique en deux trois mouvements une fanfare surgie de nulle part avant de mitonner un « Madada » qu'aurait pu entonner un certain Bobby Lapointe, ou bien une chanson aux accents funk qui gratte comme un vieux vinyle. C’est comme ça chez lui, tout est permis, on est prié de négocier les virages et les épingles à cheveux en faisant crisser les pneus !

    Mais 1time est aussi - et avant tout - une bulle poétique, plus précisément une bulle de l’intime préservé : celle-ci est ailleurs, au-dessus de nous tous humains contraints, elle survole un jardin de sourires, de ripaille et de bonnes blagues où l’on n’entre qu’avec des intentions courtoises. C’est un lieu préservé des stupidités du monde, où la fraternité a encore un sens. Ici, c’est l’imagination qui commande la danse des mots et des notes ; chacun peut y trouver sa place pour peu qu’il accepte de parler ce langage fertile et bondissant, sous le patronage d’un Saint Cop dont on pressent qu’il nous guette au tournant des phrases. Claude Nougaro et Bobby « Madada » Lapointe doivent bien rigoler s’ils écoutent ce disque, ce qui ne fait aucun doute puisqu’ils en sont un peu les pères, ou les oncles ou les parrains, c’est comme vous voulez. Ils sont certainement sous le charme du grand shaker plein de bruits, de sons et de voix, toutes générations rabibochées, un savant cocktail concocté par André Minvielle, parfois aux commandes de sa « mainvielle à roue », cet instrument fabriqué sur mesure pour « soutenir son chant quand il part dans les coins ».

    Ce disque-là, ce concentré de jubilation en forme de cabinet de curiosités et de feu d’articife entre potes, je vais le garder près de moi et le dégainer à intervalles réguliers dans les semaines à venir. Pendant l’automne et l’hiver, et même peut-être un peu plus longtemps encore, durant ces drôles de saisons où la grisaille humide vient faire la nique à la lumière et peindre sur nos visages émaciés une grimace morose. Je regarderai le ciel et les nuages et, plutôt que de me miner le moral en attendant des jours meilleurs qui ne viendront que s’ils le veulent bien, je brandirai 1time avec un sourire vainqueur comme d’autres le feraient en empoignant un bouclier pour narguer leur ennemi. Ce sera ma petite potion magique à moi, celle dans laquelle André Minvielle est certainement tombé quand il était petit. Et je gagnerai la bataille, avec lui et ceux qui seront grimpés à bord ! On ne va pas s'ennuyer...

  • Fin de partie (avant la suivante) et tentative assez mesquine de rattrapage estival...

    Parfois vous avez les yeux plus gros que le ventre et, armé des meilleures intentions, vous laissez trôner devant vous une pile de disques dont vous êtes absolument certain de rendre compte en trouvant les mots appropriés en un temps suffisamment rapproché de la publication des disques concernés. Histoire d’être un type sérieux... Voilà, ça, c’est pour la théorie. La pratique peut s’avérer très différente, surtout lorsque parallèlement à vos activités de chroniqueur estampillé Citizen Jazz et de tricoteur de phrases trop longues publiées dans un blog que vous maintenez vaille que vaille, vous avez été gagné par l’idée saugrenue d’écrire un roman dans le cadre d’une exposition menée main dans la main avec un ami photographe. Et que celui-ci (le livre, pas le photographe) fait l’objet d’une publication (on peut se le procurer ICI), une vraie avec des pages et du papier, ce qui vous a contraint à mobiliser les deux ou trois compétences que votre état de quasi-sexagénaire a bien voulu laisser subsister dans la friche que constitue votre cerveau fatigué parce que lorsque vous ne faites pas appel à un éditeur, il vous faut être capable de réaliser plein de petites choses fort utiles sans lesquelles votre tapuscrit resterait au chaud dans l’espace clos du disque dur niché sous le capot de votre ordinateur (et dûment sauvegardé en deux ou trois exemplaires).

    Ces prolégomènes sinueux à vouvoiement Butorien ne sont rien d’autre qu’une mauvaise excuse pour dire qu’on ne tient pas toujours ses promesses. Qu’on peut embarquer avec soi dans son refuge estival une somme de musique en se promettant de rattraper le temps perdu tout en émettant l’hypothèse – fort réaliste – d’une non réalisation de l’objectif qu’on s’est stupidement assigné. J’avoue, je confesse, j’implore votre pardon, j’aurais pas dû, et je ne manquerai pas, dès l’écriture du point final de cette note, de me flageller longuement dans l’espoir de redorer mon blason d’obsédé textuel un poil digressif. Car c’est vrai : en mettant le cap sur le site incomparable de la ville de Collioure, j’ai par la même occasion glissé dans mes valises une série de galettes savoureuses ainsi que pour la plupart d’entre elles le dossier de presse associé. Je m’étais persuadé que je serais capable de leur consacrer le temps nécessaire. Tu parles ! Erreur fatale, je n’ai fait que lire et marcher, entrecoupant ces nobles activités de quelques rapides séances de baignades suffisamment décalées dans le temps estival pour échapper dans les meilleures conditions à la horde des vacanciers invasifs. Mais d’écriture, point ! Et c’est injuste eu égard aux qualités de disques que je vais me permettre de citer ici, non pour rattraper le coup comme on dit, mais pour attirer votre attention sur eux tant ils le méritent vraiment. On y va ?

    ceol_mor.jpgPatrick Molard : Ceòl Mòr / Light & Shade, paru chez Innacor pour dérouler sa « grande musique des hautes terres d’Écosse » avec un line-up dans lequel on retrouve, aux côtés du joueur de cornemuse et de son violoniste de frère Jacky Molard une paire rythmique sublime, constituée d’Hélène Labbarière à la contrebasse et de Simon Goubert à la batterie. C’est envoûtant, hypnotique et celtique. Un disque d’ailleurs...

    housewarming.jpgLe très beau duo formé par Bojan Z (piano et claviers) et Nils Wogram (trombone) : Housewarming est paru chez Nwog et c’est ici tout l’art de la conversation si chère au jazz qui se joue là. Élégance et fluidité, voilà un disque dont on ressort avec l’envie irrépressible de parler à quelqu’un, parce qu’on vient de recevoir une bonne dose de chaleur (mais non caniculaire). Et puis Bojan Z, hein, c’est quand même un sacré client. Plus de 20 ans que je le suis, celui-là et je m’aperçois qu’il se refuse obstinément à me décevoir.

    octurn.jpgTiens, voilà peut-être un disque parmi les plus fascinants, pour ne pas dire mystérieux, qu’il m’ait été donné d’écouter durant ces derniers mois. Imaginez un quartet belge dénommé Octurn (avec Bo Van Der Werf au saxophone, Jozef Dumoulin aux claviers, Fabien Fiorini au piano et Dré Pallemaerts à la batterie). Déjà, ça sent fort le talent... Rien que Dumoulin et Pallemaerts, moi j’accoure ventre à terre quand je lis leurs noms. Mais si je vous dis qu’ils publient sur le passionnant label Onze Heures Onze un double CD intitulé Tantric College parce qu’ils ont été frotter leurs molécules à celles des moines tibétains de Gyuto, alors vous commencerez à comprendre ma curiosité. Au début, j’étais circonspect, j’avais peur d’un montage artificiel, d’une rencontre qui n’en aurait pas été une. Erreur ! Cette musique vous happe et vous incite à ne rien faire d’autre qu’à l’écouter. Ne me demandez pas de vous la décrire, l’exercice ne m’intéresse pas. Pour tout vous dire, c’est presque magique.

    alban_darche_pacific_cover.jpgEncore un oublié des derniers mois : le saxophoniste Alban Darche qui publie chez lui, c’est-à-dire sur le label Pépin & Plume... un 33 tours. Eh oui, ils reviennent à la mode ces beaux objets qu’on a envie de posséder parce qu’on veut extraire le vinyle de sa pochette, parce qu’on aime le petit cérémonial d’écoute, parce que certains disent que leur son est incomparable. Je n’ouvre pas ici le débat mais vous recommande très chaudement un Pacific enchanteur qui vient s’offrir comme un espace de jazz west coast en écho à son pendant east qu’avait pu être Crooked House, du même Darche dans une formation baptisée Hyprcub. Ici, pas de Cube, gros ou pas, juste un nouvel exemple de Darche en avant avec une quarte qu’on ne saurait blâmer d’être aussi inspirée : Samuel Blaser au trombone, Geoffroy Tamisier à la trompette, Josef Dumoulin, encore lui, au piano et au Rhodes et Steve Argüelles à la batterie. Voilà du jazz qui n’a pas d’âge et qui, à peine mis en musique, vous garantit une belle longévité sans oublier de verser son écot à la collaboration de Gil Evans et Miles Davis. Et vous savez quoi ? C’est le genre de disque que vous glissez dans la platine quand, à force de scruter vos rayonnages, vous ne parvenez pas à vous décider pour l’un ou l’autre. Parce qu’il est plein de l’essentiel. Un jazz durable, en quelque sorte. Souvent, on me demande : « C’est quoi pour toi, le jazz ? » Question à laquelle je suis incapable de répondre. En revanche, je peux toujours suggérer l’écoute d’un tel disque, c’est une façon de ne pas laisser mon interlocuteur dans l’expectative.

    FreeVertical.jpgJe ne compte plus les disques publiés par Henri Roger. Ni les directions dans lesquelles il dirige son inspiration. Vous trouverez ici-même de nombreux échos de mon enthousiasme pour lui. Free Vertical Compositions (chez Facing You / IMR) est un autre exemple de sa faculté à engendrer des ovnis, une sorte de condensé des heureux hasards de l’informatique et de leur confrontation avec l’imagination d’un touche-à-tout qui, jamais, ne s’éloigne de son rôle, je le cite, d’électro-libre. Henri Roger est un heureux papa musical  qui prend plaisir à nous surprendre, quitte à nous égarer pour mieux nous retrouver ! Et quand je vous aurai dit qu’on doit la restitution sonore de ces compositions verticales libres à Maïkôl Seminatore et Marwan Danoun, vous saurez que le risque est grand d’en prendre plein vos mirettes acoustiques.

    tous_dehors.jpgJe ne sais pas comment Régis Huby s’y prend pour offrir un si beau catalogue sur son label Abalone... Toujours est-il que Les sons de la vie, nouvelle œuvre de l’ensemble Tous Dehors mis en musique par le saxophoniste clarinettiste Laurent Dehors n’échappe pas à la règle d’or instaurée par le violoniste depuis de longues années : sortir du cadre et vivre sa passion à fond. Encore un disque choc et presque un concept album, au sens où Les sons de la vie racontent... l’histoire d’une vie, du début à la fin, en commençant par la rencontre amoureuse, la conception, l’enfance, l’adolescence et tout ce qui suit jusqu’à la mort. Surtout, ce grand ensemble de neuf musiciens (et deux invités de marque : le guitariste Marc Ducret et le pianiste Matthew Bourne) est la source d’une véritable explosion de sons. Ah la la... ça fourmille là-dedans, ça grouille, ça joue et ça déjoue, c’est entêtant, romantique parfois, on s’y aime, on s’y amuse et il arrive qu’on en meure. Un exercice de haute-voltige qu’on écoute en état de suspension, en retenant son souffle. Celui qui s’y ennuiera sera immédiatement excommunié de mon blog.

    flash-pig-couv-585.jpgDu côté de chez Nome, on ne se mouche pas du catalogue non plus. Les frères SanchezMaxime au piano, Adrien au saxophone ténor – forment avec Florent Nisse à la contrebasse et Gautier Garrigue à la batterie une quarte qu’ils ont décidé d’appeler Flash Pig. Je ne sais pas trop pourquoi mais ça n’a guère d’importance. C’est le contenu qui prime et pour ce qui est de la musique, je peux vous garantir que leur cochon éclair avance de beaux arguments mélodiques et rythmiques qu’ils ont choisi de valoriser en faisant appel à trois invités qui à eux-seuls ont des milliards d’histoires de jazz à raconter : Émile Parisien (saxophone soprano), Pierre de Bethmann (Wurlitzer) et Manu Codjia (guitare). Le disque n’a pas d’autre titre que le nom du groupe et, croyez-moi, ça suffit amplement à notre bonheur. C’est un jazz vivace et virevoltant comme avait pu l’être celui d’Ornette Coleman (auquel un hommage est rendu par une reprise de « The Vell »), où l’inspiration est guidée par un principe de liberté collective. Et quand tout ce petit monde est réuni le temps d’un « Enèf » en conclusion du disque, vous pouvez me croire, voilà du jazz qui remue bien dans les brancards. Oh que ça fait du bien !

    mienniel-tilt.jpgNe me demandez pas pourquoi j’ai zappé Tilt, le plus très récent disque du flûtiste Joce Mienniel, entouré de Guillaume Magne (guitare), Vincent Lafont (Rhodes) et Sébastien Brun (batterie), publié chez Drugstore Malone. Une très grossière erreur de ma part puisque cet enregistrement est disponible depuis un bon bout de temps et qu’il est rien moins que splendide. Une musique urbaine et sombre, un peu oppressante parfois et de la part de Mienniel une capacité assez fascinante à instaurer un climat. On pense parfois à la bande originale d’un film et à des scènes de rue dans lesquelles vous vous sentez comme happé par une urgence dont la cause vous échappera peut-être. Tilt est un peu comme un disque piège, mais un piège, bien sûr, auquel vous vous abandonnez sans la moindre réserve. Un des indispensables de l’année.

    lubat_luc.jpgChez Cristal Records, on a décidé d’octroyer une place de choix au fantasque Bernard Lubat, pianiste batteur acrobate des mots. Déjà en 2015, il nous avait convié en solo à des Improvisions, mot qui à lui-seul donne une idée assez précise de sa volonté de nous associer à son imaginaire plutôt débridé. Mais avec Intranquille, c’est un duo qui nous attend et, il faut bien l’admettre, une association qui peut étonner puisqu’on le retrouve live chez lui, à Uzeste, en compagnie du guitariste Sylvain Luc. Les deux musiciens multiplient les couleurs : la guitare est tour à tour acoustique ou électrique, tandis que Lubat passe d’un instrument à l’autre. C’est une confrontation, une proposition de mise en danger très pacifique qui nous rend impatients des prochains duos annoncés : avec Louis Sclavis d’une part, puis Michel Portal d’autre part. C’est quand vous voulez messieurs, continuez sur ces chemins escarpés dont on ressort en état de quasi ébriété. Nous serons là pour vous écouter...

    NicolasParentTrio-TORI.jpgMon camarade Olivier Acosta a, je crois, vanté non sans raison dans sa chronique de Citizen Jazz les qualités du trio formé par le guitariste Nicolas Parent avec Guillaume Arbonville (percussions) et Kentaro Susuki (contrebasse) lors de la sortie de l’album Tori chez L’Intemporel. Je ne peux que plussoyer et souligner à mon tour les beautés voyageuses de cette musique, d’une grande délicatesse mélodique, qui semble décidée coûte que coûte à nous emporter avec elle vers des sommets où l’air qu’on respire est source de sérénité. C’est une façon pour moi de constater qu’en ces temps où plus que jamais règne la violence des actes et des mots, un peu d’intelligence ne saurait nuire à l’exercice de notre quotidien. Je marche donc dans les pas de Nicolas Parent avec la plus grande joie. C’est presque de la béatitude...

    toux_gauthier.jpgJusqu’à une époque très récente, j’ignorais complètement l’existence du pianiste Gauthier Toux et de son trio. Oh je vous voir venir avec vos airs moqueurs... Gardez toutefois vos remarques pour vous, parce que je suis certain qu’en cherchant bien, je pourrais trouver de mon côté des musiciens dont vous n’avez jamais entendu parler. Mais il est bien vrai que quand j’ai reçu l’album Unexpected Things, qui est son deuxième disque, j’ai compris l’étendue de mon erreur. Associé à Kenneth Dahl Knudsen (contrebasse) et Maxence Sibille (batterie), Gauthier Toux délivre une musique d’une étonnante intensité – cousine parfois de celle qui traversait un autre trio, celui du regretté Esbjörn Svensson – dont l’effet de séduction est immédiat. Le pianiste présente ce disque comme une photographie d’instants forts : qu’il soit rassuré, on perçoit sans la moindre difficulté toute l’énergie qui circule au sein du trio. Voilà une formation qu’on a envie de découvrir sur scène tant on pressent qu’elle est en mesure de faire parler la poudre. Et puis disons les choses simplement : Unexpected Things est un disque assez majestueux qui en impose...

    Ubik-petit.jpgIl est un quasi big band – ils sont quinze, tout de même – qui ne se refuse rien et a sorti simultanément deux disques chez Neuklang. Le groupe s’appelle Ping Machine et on peut dire pour simplifier qu’il est animé par la créativité du guitariste Frédéric Maurin. Mais il y a plein de beau monde dans cette formation (dont le saxophoniste Jean-Michel Couchet, le tromboniste Bastien Ballaz, le guitariste Paul Lay, le trompettiste Quentin Ghomari) et tout le quartet Big Four...) exploratrice qui offre d’une part une longue suite intitulée U-bi__K et d’autre part un Easy Listening qu’on pourra peut-être écouter en premier. Encore que ça n’a pas beaucoup d’importance, finalement, je n’en suis même pas certain... L’essentiel est dans la beauté formelle de cette musique, très mouvante et de grande ampleur, qui n’exclut pas un certain minimalisme à certains moments. Votre attention sera requise parce qu’il ne s’agit pas là d’un jazz confortable mais au contraire assez ambitieux, qui donne accès à un univers dont il faut pousser les portes avec curiosité. Une fois ouvertes, elles vous en feront entendre de toutes les couleurs.

    borghi.jpgEnfin, et c’est bien malheureux, je n’ai pas le droit d’évoquer ici un enregistrement signé d’un remarquable trio... parce que le disque n’existe pas encore ! Incroyable que l’addition des talents d’Emmanuel Borghi (piano), Jean-Philippe Viret (contrebasse) et Philippe Soirat (batterie) n’ait pas encore trouvé preneur. Non mais vous avez vu le pédigrée des trois lascars ? J’ai la chance de me régaler de ce jazz très solaire et mélodique depuis plusieurs mois et je suis d’ores et déjà dans les starting blocks pour lui donner un petit coup de main si nécessaire le jour venu. Mais tout de même... Vraiment personne ? Vous n’êtes pas sérieux...

    Pour conclure, j’aimerais dire ici que mon enthousiasme scriptural n’est en rien émoussé : je mobilise le maximum de forces au service de mon magazine préféré, j’ai sous le coude une poignée de liner notes à écrire à la demande de quelques musiciens qui me font confiance, chaque mois je programme et co-anime une émission de radio consacrée au jazz, j’engage de surcroît un travail régulier au sein d’un atelier d’écriture (et peut-être aussi dans le cadre d’un duo que j’aurai sans nul doute l’occasion d’évoquer), sans oublier le fait qu’un nouveau projet d’exposition alliant texte et photographie pointe le bout de son nez pour 2018. Et, bien sûr, je veux continuer à faire vivre cet espace dans les meilleures conditions, au service de la musique et des musiciens. Mais bon... je n’ai plus 20 ans, hein, alors soyez indulgents, je ferai au mieux !

  • Forever Young

    neil young, earth, promise of the realInutile de me chercher, vous risqueriez de ne pas me trouver. Je suis quelque part, pas très loin mais ailleurs... Occupé avec le nouveau disque de Neil Young, un double live qui s’appelle Earth. Je vous vois venir : encore ce type ? depuis tout ce temps ? Eh bien oui, encore lui, qu’on surnomme le loner parce qu’il a des allures de vieux loup solitaire un peu efflanqué (c’était aussi le titre d’une des compositions de son premier disque, ce qui a pu contribuer à faire naître ce surnom). Le gars du genre bougon, un peu obsessionnel aussi, qui a accumulé des paquets de disques depuis les années 60, quand il était l’un des membres de Buffalo Springfield. Et qui vous raconte, dans un récent et remarquable Very Good Trip, une émission de Michka Assayas sur France Inter, qu’il a fini par se remettre à la fumette après avoir arrêté. Avec ou sans, il s’est rendu compte qu’il restait créatif alors pourquoi se priver, je vous le demande ? C’est bien simple : si je fais une exception pour les années 80 qu’il a traversées non sans mal (comme bien d’autres d’ailleurs), j’ai une indulgence absolue pour sa musique. Et pour lui, de façon plus générale. J’ai même lu son bouquin du début à la fin. La plupart du temps, au moment où j’achète un nouveau disque de lui, je sais ce que je vais entendre, ce n’est pas la surprise qui aiguise mon appétit, mais plutôt le plaisir de retrouver un son et une voix qui, loin de satisfaire aux critères de la perfection façon télé-crochet avec jury has been, me font souvent dresser les poils des bras. C’est comme ça, je ne maîtrise pas la chose. Neil Young, c’est un musicien de chevet, si vous me passez l’expression. Présent chez moi depuis ma primo-adolescence et en particulier grâce à l’album, son deuxième en solo, Everybody Knows This Is Nowhere (sûrement mon préféré, soit dit en passant). Il durera jusqu’à ma propre fin, c’est certain.

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  • Patrick Gauthier : Clinamens

    patrick gauthier, clinamensNow playing… Je me suis rendu au Triton (une double salle de concert sise aux Lilas) le 14 mai dernier pour assister au concert de Patrick Gauthier venu présenter le répertoire de Clinamens, son nouveau disque paru chez Disk Union. J’en ai d’ailleurs rendu compte dans une chronique de Citizen Jazz. Ainsi donc, celui qui fut à plusieurs reprises, dans les années 70 et 80, l’un des pianistes de Magma et qui depuis plus de 40 ans est le compagnon de route de Richard Pinhas, son frère en musique, revient après une interminable absence. Près de 20 séparent en effet Clinamens de son prédécesseur, Le Morse, qui avait vu le jour en 1997. On n’osait plus y croire, malgré quelques signes qui nous laissaient espérer un retour sur le devant de la scène. Cette attente est – enfin ! – récompensée par un disque – le quatrième seulement – pour l’enregistrement duquel Patrick Gauthier a joué la carte de l’épure : un piano et deux voix, celles d’Antoine et Himiko Paganotti (mais aussi Isabelle Carpentier sur deux titres) et pour ces derniers un véritable exercice de haute voltige. Si on identifie très vite la signature tournoyante et féérique du compositeur, ses influences qui s’étendent de la musique classique du début du XXe siècle à celles des pays de l’Est (Patrick Gauthier a des racines lituaniennes et ukrainiennes), c’est avant tout sa part d’enfance qui saute, sinon aux yeux, du moins aux oreilles. Le pianiste semble nous exhorter à célébrer l’innocence perdue des premières années de la vie, celles que les humains sont trop pressés d’écourter pour entrer de plain-pied dans leur monde mercantile et violent. « Fairy Tale », « Fantômas », « L’oiseau » en sont trois illustrations gorgées d’un enchantement communicatif. Mais Clinamens est aussi un album de voyages, qui nous conduit « Sur un marché persan » ou du côté de « Vilna », plus connue aujourd’hui sous le nom de Vilnius. L’occasion de retrouver le vieux complice Bernard Paganotti et sa basse, comme au bon vieux temps de Magma mais aussi du groupe Weidorje sur l’unique disque duquel cette composition hypnotique figurait en bonne place. Il y a du bonheur dans ces retrouvailles. Et si Patrick Gauthier nous y autorise, il serait aimable de ne pas nous infliger à nouveau une si longue absence.

    Pour en savoir plus et/ou commander le disque, c’est ICI.

    En bonus, un court extrait du concert de Patrick Gauthier au Triton, le 14 mai 2016...

  • Karl Jannuska : Midseason

    karl jannuska, midseason, tony paeleman, pierre perchaudNow playing… Karl Jannuska est un musicien prisé de ses pairs. Ce ne sont pas Olivier Bogé, Tony Paeleman, Pierre Perchaud, Thomas Savy, Sophie Alour, Tam De Villiers, pour n’en citer qu’un échantillon, qui me diront le contraire, car ceux-là l’ont côtoyé et en connaissent les inspirations tant mélodiques que rythmiques. Le batteur canadien est ce qu’on peut appeler une valeur sûre dont Halfway Tree, publié sous son nom en 2012, était un indiscutable marqueur et marquait sa volonté d’ouvrir son répertoire à la chanson ou, plus largement, à ce qu’on qualifiera hâtivement de pop. Plus près de nous, au début de l’année, on a pu respirer à pleins poumons un Inhale/Exhale en quartet avec trois de ses amis : Tony Paeleman, Pierre Perchaud et Christophe Panzani (le saxophoniste vient de publier de magnifiques Âmes perdues en duo avec sept pianistes). Et le voici qui revient en leader avec Midseason et sa réjouissante collection de treize songs. Des compositions, toutes de courte durée (elles dépassent rarement quatre minutes), dont la réalisation fut un peu particulière dans la mesure où les musiciens ont enregistré leur contribution les uns après les autres. On retrouve ici une fois encore Tony Paeleman aux claviers et Pierre Perchaud à la guitare, augmentés cette fois de Julien Herné à la basse. Et qui dit chansons dit paroles : outre les musiques, Karl Jannuska a signé tous les textes et a pu compter sur les voix de Sienna Dahlen (avec laquelle il travaille depuis plusieurs années) et de Denzal Sinclaire, un compagnon de route rencontré il y a vingt ans à l’Université MgGill de Montréal. Ajoutons pour être complet le violoncelle d’Andrew Downing et la voix de Sonia Cat-Berro sur quelques titres.

    Midseason, paru chez Absilone, est un disque de la limpidité, dont les climats volontiers éthérés ne sont pas sans faire penser parfois à l’esthétique de Brian Eno (« Midseason Rise », « Beautiful Fragility »), ne laissant en outre que peu de place à l’improvisation. Ce n’est pas le lieu pour ça... Ici, comme on l’a compris, le format est ramassé, la priorité donnée à la définition de formes sonores où les claviers de Tony Paeleman démontrent une fois encore les qualités d’architecte des textures de ce musicien hyperactif. Les textes sont de nature autobiographique (« Canada Famous »), ils ne manquent pas d’évoquer la passion de Jannuska pour le base-ball, qui a inspiré le titre de l’album. Leur facture est le plus souvent impressionniste (« Beautiful Fragility », « Early Bird ») voire méditative (« Sleelessness »). On tombe très vite sous le charme de ces « bulles poétiques » aux rythmes changeants et entêtants qui confirment la place de choix qu’occupe Karl Jannuska non seulement comme batteur, mais aussi comme compositeur. Au premier abord, Midseason a des allures de parenthèse enchantée, mais ce disque est bien plus que cela : il est une affirmation, celle d’un quadragénaire en pleine santé créative. Le Canadien a beau ne pas être un débutant, on se dit qu’il a une multitudes d’histoires à raconter et qu’à cet égard, ce disque n’est probablement qu’un commencement. On attend la suite...

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  • Fabrice Martinez Chut! : Rebirth

    fabrice martinez, rebirth, onj recordsNow playing… Je sais, pour avoir échangé brièvement avec lui sur le sujet, que Fabrice Martinez se défend d’avoir subi l’influence de King Crimson en composant « Rebirth » qui ouvre son nouveau disque. Dont acte, mais tout de même : la basse grondante de Bruno Chevillon, la frappe sèche aux accents brufordiens d’Éric Échampard, les claviers de Fred Escoffier et leurs stridences frippiennes… Que les crimsoniens de tout poil me jettent le premier riff s’ils n’y entendent pas un début de parentèle avec leur groupe fétiche. C’est puissant et ça vient des entrailles… Et puis qu’importe : par leur entrée en fanfare, ces trois minutes introductives sont annonciatrices d’un disque qui semble né d’un cercle vertueux. Comment ? En rassemblant des amis de longue date dans un studio – Ferber en l’occurrence – dont le maître des lieux, le toujours juste Maïkôl Seminatore, sera capable de vous mitonner le son aux petits oignons que vous avez en tête. Quelque chose d’un peu « à l’ancienne », avec un orgue Hammond, une bonne vieille basse électrique, une batterie qui claque, des synthétiseurs comme autrefois, un peu de distorsion et autres effets qui vous rapprochent – cette fois ce n’est pas moi qui le dis – d’un « esprit Motown ». Et vous, vous enregistrerez dans les conditions du live, sans céder aux sirènes du re-recording, pour célébrer une renaissance et laisser libre cours à vos élans. Car tel est aussi le titre de cet album plein de jus : Rebirth, une nouvelle production à mettre au crédit d’ONJ Records, décidément en pleine forme. Avec de tels arguments, on en chercherait presque le 33 tours…

    Ce disque – le troisième du quartet Chut! – pourra vous emporter dans des contrées où un autre esprit, celui du Miles des années électriques (« In A Silent Way », « Bitches Brew ») rôde, avant de vous plonger dans un grand bouillon électrique : c’est par exemple le cas de « Transe », surchauffé par la guitare en fusion de Stéphane Bartelt jusqu’à son final hypnotique. Les synthétiseurs, le Fender Rhodes et l’orgue Hammond, agents de voyage zélés, vous feront remonter le temps, pas loin des années 70 (« Smity » ou « Roots ») sans pour autant être passéistes ; on guette çà et là du coin de l’œil pour voir si Herbie ne serait pas lui non plus dans les parages (« Aux cendres etc », son synthétiseur et son blues final). Posez-vous quelques minutes et installez-vous « Derrière la colline », où la paire Chevillon – Échampard, rayonnante, provoque l’embrasement d’une ballade signée Fred Escoffier : alors vous comprendrez ce que peuvent signifier le lyrisme et la lumière intérieure qui émanent de la trompette de Fabrice Martinez. Son jeu est un « coup d’éclat permanent », ce qu’on savait déjà de par ses expériences passées, notamment les plus récentes (réécoutez Europa Berlin de l’ONJ, ça devrait suffire à vous convaincre), mais il se pare ici d’une brillance supplémentaire qui reflète sans nul doute une maxime énoncée par notre homme lui-même : « Savourer le bonheur de se lever le matin pour faire exactement ce qu’on a envie de faire ». Un principe père d’une succession d’élans mélodiques à vous donner le frisson. Tiens, c’est bien simple : si j’osais, je qualifierais cette musique de sexy : par le fond et par la forme, avec ses rondeurs et sa belle santé, par son franc sourire aussi. Rebirth, c’est un concentré de plaisir, un objet musical qui claque comme un drapeau au vent.

    On notera que la conclusion du disque est d’une nature un peu différente : si « Prune » commence avec la formule du quartet dans une longue montée en tension, cette composition prend fin sous la forme d’un duo piano-trompette à la tonalité romantique, presque classique. Une coda sentimentale, en quelque sorte, qui tend à démontrer que Fabrice Martinez n’a pas seulement du souffle : il a aussi un cœur gros comme ça !

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  • Abhra

    Abhra.jpgNow playing… Pour ne rien vous cacher, le saxophoniste Julien Pontvianne est selon moi un drôle de loustic. Un énorme point d’interrogation, qui prend un malin plaisir à ne pas vous fournir les réponses aux questions que pose sa musique. C’est à vous d’essayer de vous faufiler dans son monde de silence et d’y trouver une place. Rien de péjoratif dans cette manière de qualifier celui dont j’avais déjà salué le talent très singulier à l’occasion de la publication de Silere, un disque étonnant de l’Aum Grand Ensemble. Je me souviens de l’expression « immobilités apparentes » : elle m’était venue à l’esprit après que j’ai découvert cette musique surgie d’ailleurs, mue dans le quasi silence de souffles esquissés. Que dire par ailleurs de Watt, son quatuor de clarinettes, et de son deuxième disque, encore plus mystérieux, paru chez BeCoq il y a quelques mois ? Imaginez une composition plus immobile que Silere, dont la durée à elle-seule est un défi : soixante-dix-sept minutes ininterrompues, et l’impression que presque rien ne bouge dans cette respiration à quatre souffles continus au cœur desquels on perçoit à peine mouvements et décalages, pour peu qu’on n’y prête pas attention. Il faut s’accrocher à sa propre volonté d’en savoir plus pour ne pas courir le risque de se perdre dans un espace infini dont les trois autres gardiens ne sont pas des inconnus : Jean Dousteyssier (dont j’ai évoqué le Post K voici quelques jours), Antonin Tri-Hoang et Jean-Brice Godet. Et pour être franc, je vous accorderai le droit d’être un peu dérouté par cette aventure dans laquelle on ne peut entrer vraiment qu’à condition d’avoir libéré son esprit de toutes les chaînes de notre quotidien formaté. Julien Pontvianne invente la musique de l’abandon.

    Immobilité. Silence. Mystère. Vide. Atmosphère flottante. Voilà le début d’un lexique qui pourrait définir l’approche esthétique de ce musicien explorateur. En sanskrit, Abhra signifie justement l’atmosphère et le vide : c’est le titre que Julien Pontvianne a donné à son nouveau projet, pour lequel il s’est entouré d’une formation internationale aux couleurs changeantes mais tout aussi confidentes qu’à l’habitude. À n’en pas douter, notre homme est toujours en quête d’une musique en état de lévitation. À ses côtés, la chanteuse irlandaise Lauren Kinsella, la violoncelliste anglaise Hannah Marshall, les Italiens Francesco Diodati (guitare) et Matteo Bortone (contrebasse), sans oublier son cher compatriote Alexandre Herer aux claviers. On connaît ce dernier pour toute la tâche qu’il accomplit dans le cadre d’Onze Heures Onze, sur le label duquel le flottant Abhra voit le jour. Ce sextet, plus que jamais introspectif, s’est réuni autour de textes de Henry David Thoreau, philosophe et poète américain du XIXe siècle et qui constituait déjà la source d’inspiration de Silere. Il faut se souvenir que Thoreau plaçait la nature au centre de sa pensée et avait compris que « pour être et s’ancrer au monde, il suffit de respirer, goûter, toucher, regarder, écouter le silence, ressentir, contempler, observer ». Et c’est bien une telle approche qui constitue la véritable clé permettant d’ouvrir en grand la porte de cet univers musical sans équivalent. Il faut apprendre le lâcher prise. Si, de façon paradoxale, les textures sonores déployées dans Abhra, d’une grande délicatesse, sont une invitation au silence, elles sont peut-être le terrain le plus propice à l’envoûtement que suscite le chant diaphane de Lauren Kinsella, une grande découverte pour ce qui me concerne. Abhra est un disque de la lenteur, ce qui à notre époque est presque une provocation. Julien Pontvianne et ses musiciens nous invitent à stopper un temps notre course folle et à nous interroger sur le sens à donner à l’urgence qui nous ronge. Où allons-nous, quelle est la nature réelle de cette frénésie qui nous emporte et pourquoi sommes-nous si souvent incapables de supporter le silence ? Il y a plein de réponses à toutes ces questions dans Abhra : laissez-vous aller, fermez les yeux, écoutez, vous aller trouver.

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  • Shoplifters : There Is A Light

    shoplifters, there is a light, michael civilian, alexandra prat, philippe canovas, sebastien maire, christian mariottoNow playing… Ce n’est pas parce que les musiciens formant le groupe Shoplifters ont eu la gentillesse de me demander d’écrire les liner notes de There Is A Light que je dois pour autant passer sous silence la sortie de leur premier disque. Car le plaisir est là, avant toute chose : celui d’une re-création. Ou comment revisiter sans le paraphraser, mais en lui donnant de nouvelles couleurs, plus lumineuses pour ne pas dire solaires, un passé musical remontant aux années 70 ou 80 dont les groupes phares avaient pour nom : The Smiths, Joy Division ou The Smiths. On rassemblait ce petit monde britannique, parce qu’on aime bien les étiquettes, sous la bannière cold-wave. Comme un témoignage du désenchantement face à la montée du chômage de masse et à sa casse sociale thatcherienne sans précédent depuis des décennies en Europe. Tiens, à ce sujet, je vous recommande vivement la lecture d’un passionnant article du quotidien britannique The Guardian.

    Revenons à la musique... À ces formations dont l’esthétique était parfois glacée, il faut pour être complet ajouter The Velvet Undergound, groupe made in US au visage sombre, qui s’était fait entendre quelques années plus tôt. Une sorte de parrain… Shoplifters (les voleurs à l’étalage) tire son nom d’une chanson des Anglais The Smiths, « Shoplifters Of The World ». Ils ont aussi emprunté There is a light, titre de ce premier disque, à une autre composition de ce groupe emmené par Steven Patrick Morrissey. Pas d’imitation, donc, mais une fusion en tous points réussie des différentes expériences musicales – rock, funk, soul music, jazz dans tous ses états – des cinq protagonistes qui éclairent avec une assurance tranquille un petit trésor musical du genre ombrageux. Alexandra Prat prête sa voix confidente et chargée de beaucoup de sensualité ; Michael Cuvillon, instigateur du projet, n’hésite pas à troubler son saxophone de quelques effets électroniques et ludiques à la fois ; la guitare de Phlippe Canovas est plus que jamais atmosphérique, guettant du coin de l’œil un rock volontiers exploratoire ; quant à la rythmique formée par Sébastien Maire (contrebasse) et Christian Mariotto (batterie), elle nous balade, jusqu’à l’Afrique s’il le faut. Et si la lumière tant convoitée était à chercher de ce côté-là ? Allez savoir… Quoiqu’il en soit, There Is A Light est une délicieuse invitation au voyage, dans l’espace et dans le temps.

    PS : Shoplifters ouvrait cette semaine le bal du festival Vand’Jazz à Vandœuvre-lès-Nancy. J’y étais, tout comme mon complice Jacky Joannès qui m’a rapporté cette photographie. Merci à lui !

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  • CharlElie Couture : Lafayette

    charlelie couture, lafayetteNow playing… Oui, oui, vous avez bien lu : CharlElie Couture. Mais que vient donc faire ici ce monsieur qu’on estampille à tort « variété française » et qui est avant tout un rockeur « fort rêveur » ? C’est que ce bonhomme-là, je l’aime bien, et ça ne date pas d’hier. Je ne prétends pas connaître sa vingtaine d’albums sur le bout des doigts, même si j’ai écouté la plupart d’entre eux, et je ne l’évoque pas ici parce qu’il est natif de Nancy, une ville que j’habite depuis… bien longtemps. Je ne m’attarderai pas non plus sur le cas de celui qui vit à New York depuis une douzaine d’années, par ailleurs peintre tout aussi singulier que le chanteur porteur d’une longue barbiche pointue dont la voix nasillarde est une énigme pour beaucoup. Pas facile d’expliquer en quelques mots la sympathie que le monsieur m’inspire, mais j’ai l’impression qu’il est un homme libre, ou du moins aussi libre que possible dans ce monde étrange et gris fabriqué par des humains égarés.

    Et puis, entrons dans le vif du sujet, la vraie raison de cette chronique, c’est Lafayette, son nouveau disque. Un pur plaisir. Je le dis avec d’autant plus de simplicité qu’Immortel, son prédécesseur, m’avait laissé un petit goût, sinon amer, du moins fade. La faute sans doute à cette drôle d’idée consistant à s’assurer le concours artistique de l’inévitable Benjamin Biolay. Ou la garantie d’un hors sujet et d’un glissement progressif vers la standardisation : de surcroît, on ne décelait pas dans ce disque mi-figue mi-raisin la moindre prise en compte de la singularité de CharlElie Couture, chanteur atypique s’il en est. Or, le Lorrain vaut mieux qu’une série de chansons-sirop, il lui faut du brut, de l’authentique, du râpeux : c’est bien ce qu’on trouve dans ce nouveau disque enregistré en Louisiane avec des musiciens du cru, y compris le mythique Zachary « Travailler c’est trop dur » Richard qui pointe le bout de ses cordes vocales sur deux titres. Lafayette est un disque qui va à CharlElie comme un gant en peau d’alligator. Au préalable longuement trempé dans les eaux boueuses du marigot, le son est roots, joliment sali par des instruments pétillants au service d’un blues rock champagne des bayous : guitares électriques, dobro, orgue Hammond, piano, banjo, pedal steel, accordéon, une poignée de cuivres pour épicer le goûteux ragout. Zéro pour cent de matière synthétique… CharlElie Couture, lui, s’amuse comme un gamin et ce n’est pas pour rien qu’il entame son album par une chanson intitulée « On va déconner ». Pas un seul instant la tension ne se relâche tout au long des 13+1 titres, même à l’occasion des ballades qui évitent cette fois l’écueil de la mièvrerie. Lafayette est une sorte de one shot, un tir groupé sans temps mort ni faute de goût dont la conclusion est une noueuse reprise de « House Of The Rising Sun » devenu « Maison Soleil Levant ». Et si mon ex-concitoyen m’autorise cette recommandation, j’aimerais souligner le fait que le filon me semble loin d’être épuisé. Il y a encore de la matière première à exploiter au point qu’on attend la suite avec impatience. Surtout, on comprend plein de choses qui nous titillaient depuis les originelles 12 chansons dans la sciure : cette drôle de diction, cet accent bizarre, cette voix traînante, cet assemblage vocal faussement bancal… Bon Dieu, mais c’est bien sûr : CharlElie Couture est un Acadien qui s’ignorait.

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  • Jean Dousteyssier : Post K

    Jean_Dousteyssier_Post_K.jpgNow playing… Il s’en passe de belles du côté des soufflants de l’ONJ. Il y a quelques mois, Fidel Fourneyron avait relevé avec brio le défi d’un exercice de High Fidelity, seul aux prises avec son trombone. Et c'est au tour de Jean Dousteyssier de s'y coller puisque ce dernier fait vibrer les anches de ses clarinettes avec Post K, un disque publié sur le label ONJ Records. Voilà un musicien singulier – il peut aussi se glisser dans la peau d’un saxophoniste au sein de l’Umlaut Big Band – qui n’a pas attendu d’être adoubé par Olivier Benoit pour faire entendre sa différence. Et quelle différence ! Souvenons-nous, par exemple, du tentet Pan-G dont il est l’une des voix les plus débridées. Post K (comprenez Post Katrina, du nom de l’ouragan qui a dévasté la Nouvelle-Orléans), le voit entouré de son frère Benjamin aux saxophones, Matthieu Naulleau au piano et d’Elie Duris à la batterie. C’est un disque qui ressemble à s’y méprendre à un joyeux exercice de reconstruction : Jean Dousteyssier et ses camarades ont eu l’excellente idée de s’emparer du répertoire des années 20-30, en particulier celui des pianistes stride Fats Waller, Willie « The Lion » Smith ou Eubie Blake, pour le chahuter sans ménagement, comme s’ils l’avaient retrouvé éparpillé en mille morceaux façon puzzle après le passage de l’ouragan et qu’il avait fallu le remettre sur pieds. Mais pas forcément dans son état initial, parce qu’il faut comprendre que ces jeunes musiciens sont aussi très influencés par le free-jazz des années 60 et 70 et par les musiques improvisées. Dans ces conditions, vous devinerez très vite que Post K n’est pas un disque banal, il se présente comme une suite de treize pièces de courte durée dans lesquelles le quatuor s’en donne à cœur joie. Mais il ne s’agit pas pour autant d’un exercice de style, tant s’en faut : c’est une proposition ludique et savante à la fois, c’est la réconciliation possible des anciens et des modernes. Bref, c’est un jazz vivifiant pour tous qui suscite l’adhésion instantanée. J’aurais presque envie d’en demander le remboursement par la Sécurité Sociale… Et ce n’est pas fini du côté de l’ONJ puisque son trompettiste Fabrice Martinez vient de dégainer un tonique Rebirth dont il sera très vite question du côté des musiques buissonnières.

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  • Dré Pallemaerts : Coutances

    dre pallemaerts, coutances, jozef dumoulin, bill carrothers, mark turnerNow playing... Neuf ans environ après Pan Harmonie, le batteur Dré Pallemaerts réunit à nouveau sa formation de rêve : Mark Turner au saxophone, Bill Carrothers au piano et Jozef Dumoulin aux claviers et Rhodes. L’album s’appelle Coutances, comme la ville normande où se tient le festival Jazz sous les Pommiers. C’est là que le quatuor s’était installé il y a quelque temps en résidence. Le résultat est de toute beauté, une sorte de mélancolie brumeuse s’installe et la magie opère, qui enveloppe six compositions du batteur, deux improvisations collectives (« Sun Salutation » et « Moon Salutation ») et une reprise envoûtante de « Première pensée Rose+Croix » d’Erik Satie. La frappe suspendue d’un Dré Pallemaerts habité, le néo-classicisme aux intonations romantiques de Bill Carrothers, le chant méditatif, presque mystique, des anches de Mark Turner et les claviers de Jozef Dumoulin qui semblent explorer des contrées baignées d’une lumière vespérale : voilà qui fait un grand disque, une parenthèse en lévitation, un des moments forts de cette année 2016, assurément. On pourra aussi s’imprégner de toute l’énergie qui anime « Brussels Parijs », comme un hommage rendu aux deux capitales devenues récemment sœurs de sang.

    Pour écouter, c'est ICI, pour en savoir plus et/ou commander le disque, c'est .

  • Citizen Jazz, le livre des 15 ans !

    Participez à l’édition d’un ouvrage unique et à tirage limité, disponible uniquement sur souscription : la revue des 15 ans de Citizen Jazz.

    Citizen JazzDepuis 2001, une équipe d’observateurs s’est constituée, puis soudée, étoffée, renouvelée.
    2001-2016, 15 ans à suivre en France, en Europe et dans le monde ceux qui jouent, créent, recréent, programment, partagent ces musiques vivantes.
    Chaque semaine, Citizen Jazz présente les nouveautés, de quoi lire, de quoi sortir.
    Le magazine illustre en images les concerts, met en valeur les musicien.nes et musiques et les défend.

    Plus qu’un simple média rendant compte de la vitalité du jazz, Citizen Jazz a, au fil des années, constitué un réseau, fédéré une communauté de passionnés, d’amateurs et de professionnels, tous militants. Une équipe de personnalités très différentes qui réalisent bénévolement, en plus de leurs journées de travail, un magazine hebdomadaire devenu une référence de la presse jazz francophone, avec plus de 25000 lecteurs par mois, un record en la matière.

    Pour marquer cet anniversaire, les photographes, rédacteurs, dessinateurs, vidéastes et collaborateurs réguliers de Citizen Jazz, en association avec Denis Esnault (directeur de la publication et cofondateur de la revue Irreverent) vont éditer un ouvrage unique et à tirage limité, disponible uniquement sur souscription : la revue 15 ans de Citizen Jazz.

    Il s’agit d’une revue au contenu entièrement inédit, qui revient sur les quinze années passées à rencontrer des musicien.nes, à assister à des concerts, à écouter des disques.

    De nombreuses personnalités du jazz ont participé, musicien.nes, journalistes, programmateurs, diffuseurs et plusieurs graphistes participent à l’ensemble en prenant des cartes blanches dans la revue.

    La souscription, c'est ICI : www.citizenjazz.com/Passage-en-Revue-15-ans-de-jazz.html

  • Cercles vertueux

    anne paceo, circles, tony paeleman, emile parisien, leila martialPetit retour en arrière. Lorsque Circles est sorti au mois de janvier chez Laborie Jazz, il ne faisait aucun doute qu’Anne Paceo, plus que jamais, célébrait le chant qui résonne en elle depuis sa plus tendre enfance en Côte d’Ivoire. Ce qu’a d’ailleurs expliqué cette musicienne voyageuse : « Quand j’écris un nouveau morceau, la première chose qui vient c’est toujours la mélodie. J’écris beaucoup en chantant. Ma musique est souvent reliée à des expériences, des rencontres, des mouvements intérieurs, des endroits qui m’ont marquée. Je raconte des histoires, mes histoires, sans forcement mettre des mots dessus. Pour moi la musique doit avant tout parler aux sens ». Enfant de la batterie qui a appris de son mentor Dré Pallemaerts – dont je vous recommande en passant le nouveau disque appelé Coutances, où brille de mille feux une triplette magique composée de Bill Carrothers, Jozef Dumoulin et Mark Turner – à quel point il est vital d’incarner chaque note jouée, Anne Paceo a côtoyé la fine fleur du jazz, aligné une poignée de disques gorgés de lumière, avec son trio Triphase (Triphase en 2009 et Empreintes en 2010) ou son quintet Yôkaï, sans oublier une collaboration avec la chanteuse Jeanne Added qu’elle a accompagnée sur scène jusqu’à une époque récente. Et la voici qui revient, entourée d’une nouvelle équipe dont la composition ne doit absolument rien au hasard. Car pour créer une musique qui se révèle un tant soit peu ensorcelée, encore faut-il trouver les magiciens pour la servir.

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