Les élucubrations d’Ahn Tuan

Je vais être très honnête avec vous : il y a peu de temps encore, j’ignorais jusqu’à l’existence même d’Antoine Galvani, pianiste compositeur qui s’est longtemps glissé sous la peau d’un certain Ahn Tuan (vous prononcerez Antoine, bien sûr), qu’il qualifie lui-même d’alter ego un peu mégalo et qui serait, selon lui, le « premier vietnamien envoyé dans l’espace ». Galvani est un trentenaire originaire de la région de Grenoble, il est passé par la musique classique, le rock et le jazz et comme bon nombre de ses petits camarades par le Centre des Musiques Didier Lockwood. Sa discographie est riche de trois albums, de deux EP et de quelques collaborations. Notre homme voit grand, car il est question entre autres pour lui cette année d’un travail avec un orchestre symphonique. Faut-il ajouter que ce musicien a un petit côté perfectionniste qui le rend très attachant ?

Tous deux (vous me pardonnerez cette formulation, car j’évoque ici le pianiste et son double qui est le personnage central de l’histoire qui se trame) reviennent avec un disque d’une facture très singulière dont le titre, Suite astrale, laisse deviner toute la dimension cosmique et surtout une réelle ambition esthétique. D’autant que son processus de création s’est déroulé sur une longue période d’environ cinq ans, entre écriture, enregistrement et réalisation finale. Pourtant, je ne suis pas entré sans un peu de méfiance dans cet album dont le dossier de presse et Antoine Galvani lui-même nous disent qu’il emprunte, entre autres, aux codes du rock progressif. Oui, parce que le coup du rock progressif, j’avoue qu’il vaut mieux éviter de me le faire, moi qui ai baigné dedans durant la première moitié des années 70 (tout ce qui est advenu par la suite et qui se qualifiait de tel est selon moi une imposture boursouflée), au son des Emerson, Lake & Palmer, Yes, Genesis (le vrai, le seul, celui de Peter Gabriel), King Crimson (encore qu’on pourrait discuter de son affiliation à ce mouvement musical), Pink Floyd et tutti quanti. Pas si nombreux en réalité les tutti, du moins si j’en juge par ceux qui ont vraiment laissé des traces. Cherchez bien, vous aurez du mal à en trouver. Cerise sur le gâteau de ma perplexité, les musiciens qui entourent Antoine Galvani me sont inconnus (à l’exception de deux des invités – Grégory Sallet et Aurélien Joly – excellents instrumentistes qui gravitent autour du bouillonnant collectif Pince Oreilles aux alentours de Lyon, aux côtés de la pianiste Anne Quillier). Tout cela pour dire que je suis entré dans cette Suite astrale avec des sentiments mêlés, avant de me laisser convaincre par l’absolue sincérité et le souffle qui le portent.

Parce que Suite astrale n’est pas n’importe quelle création. C’est un concept album, comme au bon vieux temps, avec une histoire qu’on nous raconte – ici celle d’un long voyage –, c’est une seule et même longue composition découpée en grands mouvements, dont l’écriture ciselée et la production très soignée appellent de la part du pianiste cette mention sur la pochette : « Nous conseillons vivement une écoute au casque pour une immersion totale dans l’espace ! ». Pour un peu, me voici revenu au temps de mon adolescence, quand je m’allongeais à même le sol pour me caler la tête entre les deux haut-parleurs de mon électrophone et profiter à fort volume des disques que je me procurais non sans un réel effort financier. Il est peut-être là son côté « progressif », auquel je préfère le terme « prospectif » qui me semble mieux refléter la réalité de la démarche d’un musicien ouvert à bien des influences qu’il veut ici fusionner et surtout dépasser. Surtout que pour faire bonne mesure, le disque contient un livret de vingt-quatre pages dont le graphisme signé Agnès Ceccaldi pourrait évoquer de loin celui de Roger Dean illustrant tous les albums du groupe Yes.

Mais Antoine Galvani se situe délibérément ailleurs, son écriture étant souvent empreinte d’un néo-impressionnisme qui, lui, serait plutôt le cousin pas si lointain de la Clearlight Symphony de Cyrille Verdeaux (hé, les anciens, ça vous dit quelque chose ?). Elle se nourrit aussi de la liberté du jazz, avec ça et là de belles interventions en solo (Grégory Sallet est époustouflant sur « Symetric Land » et « Home Run »), d’une énergie très rock, d’une liberté de création aux accents parfois free et d’un traitement sonore électro-acoustique qui évoque par son minimalisme magnétique le travail de Robert Wyatt. Elle se fait aussi chorale, laissant émerger par instants un chant aux couleurs classiques. En réalité, Suite astrale n’est pas de ces disques qu’on détaille. On le prend comme un ensemble et surtout, on savoure le privilège que nous accorde son compositeur : celui du temps. Sont-ce là les effets bénéfiques d’un voyage intersidéral dont il est question ? Durant ses 75 minutes (dont, il faut tout de même le signaler, une bonne vingtaine de silence au beau milieu du thème final baptisé « Home Run » avant une conclusion tourmentée), Antoine Galvani nous projette ailleurs, dans un monde ouvert et sans limites où il fait bon s’arrêter. Allez savoir pourquoi et comment, ce disque laisse un vide après lui. Le pari d’une évasion est gagné haut la main, il faut accepter de redescendre tout doucement de ces hauteurs étoilées que l’album nous a fait toucher du bout des doigts.

Les musiciens de la Suite astrale

Antoine Galvani (composition, piano, synthétiseur, carillon, chant), Illyes Ferfera (saxophones ténor et soprano), Arthur Henn (contrebasse), Baptiste Castets (batterie, percussions) + Grégory Sallet (saxophone soprano), Aurélien Joly (trompette), Lionel Moreau-Flachat (saxophone alto), Antoine Destephany (trombone), Ben Barutel (guitare électrique, composition du thème orginal de « Symetric Land »), Baptistine Mortier (chant), Nikitch (machines), Agnès Ceccaldi (graphisme).

Présentation de l'album

Antoine Galvani parle de sa Suite astrale

Olivier Benoit ou la musique en lettres capitales

Europa Oslo, quatrième et dernière étape pour l'Orchestre National de Jazz sous la direction d'Olivier Benoit et une autre source de stimulation de son imagination. Instantanément, c’est le sentiment d’un nouveau choc, dans un grand souffle de soixante-neuf minutes. Chaque écoute s’offre ensuite à la manière d’une révélation, levant le voile sur des richesses qu’on avait jusque-là effleurées. L’ONJ déploie les fastes d’une musique dont la singularité est plus que jamais avérée. Il y a un langage Olivier Benoit, voilà qui ne fait aucun doute. Mais ça, nous le savions depuis longtemps. Encore faut-il être capable de tenir ses promesses et, si possible, de surprendre. Et c’est bien le cas, une fois encore...

On identifie instantanément l'ONJ, en particulier par la richesse de ses textures sonores et de ses brusques changements de cap dont « Det Har Ingenting Å Gjøre » est une parfaite illustration. Mais aussi par ses entêtements rythmiques, dans une jonction heureuse qui se nourrirait à la fois de la « discipline » de Robert Fripp et des déphasages de Steve Reich – j'assume ces comparaisons qui pourront étonner – comme dans l'introduction de « A Sculpture Out Of Tune » et le final de « Pleasures Unknown ». Une force de frappe mise au service d'arrangements luxuriants où s’épanouissent dans une lumière froide violon, clarinettes, saxophones, trombone, guitare, piano, claviers, percussions et quelques sorcelleries électroniques.

Europa Oslo n'est ni Europa Paris, ni Europa Berlin, ni Europa Rome. Il n’est pas question pour autant de froideur, car ce serait trop facile, trop attendu. Mais plutôt d'une prise de distance, loin du bouillonnement de Berlin et de l'exubérance de Rome, par exemple. À l'image de ce « stade vêtu de blanc » et illuminé qu'on découvre au recto de la pochette, dont Olivier Benoit dit qu’il « crée le lien entre la ville, le texte et la musique ». Europa Oslo est un disque qu'il faut laisser venir vers soi, patiemment. Ce à quoi nous invite par exemple « Oastracism », en ouverture de ce quatrième voyage.

L'Orchestre fait une fois de plus la démonstration de sa capacité à agencer dans un même continuum une vue microscopique, parfois bruitiste et sa vision panoramique de la musique : « Intimacy » est le meilleur exemple de ce glissement, qui commence par le frottement croisé des cordes, celles de la guitare d'Olivier Benoit et du piano de Sophie Agnel, pour laisser la place au chant limpide de Maria Laura Baccarini avant un tutti majestueux caractéristique de cette formation qui – c’est un avis personnel – est sans nul doute le plus fascinant de tous les ONJ. Et puis il y a ce groove, tenace et entêtant vers lequel l’orchestre revient toujours, comme une nécessité nourricière. La deuxième partie de « An Immoveable Feast » ou de « Sense That You Breathe », presque métronomique, poussée par les rondeurs de la basse de Sylvain Daniel ou le final de « Ear Against The Wall » témoignent de cet appétit. Ou encore « Ear Against The Wall » et la pulsation machinique élaborée par les claviers de Paul Brousseau et la batterie d’Éric Échampard.

Plus que jamais, l'ONJ se présente comme un collectif, une entité extrêmement généreuse, qui sait toutefois accorder le temps nécessaire à quelques interventions solistes, peut-être moins nombreuses qu'au cours des trois précédentes étapes, mais d’une inventivité débridée qui dit beaucoup du plaisir profond ressenti par chacun des protagonistes de cette histoire : Paul Brousseau sur « Ear Against The Wall », Alexandra Grimal sur « Sense That You Breathe », Hugues Mayot sur « A Sculpture Out Of Tune », Fidel Fourneyron sur « An Immoveable Feast », Fabrice Martinez sur « Det Har Ingenting Å Gjøre » ou encore Olivier Benoit, rocker flamboyant, libre et aérien sur « Intimacy » (mais quel bonheur celui-là, quel bonheur quand il s’y colle...).

On connaissait Maria Laura Baccarini, notamment depuis les disques All Around et Furrow avec la complicité de son cher Régis Huby ; on savait toute son expressivité dramatique : écoutez Gaber, Io e le cose si vous avez besoin d'être convaincus. Elle est ici chanteuse, mais aussi récitante des mots de Hans Petter Blad qui a travaillé en étroite collaboration avec Olivier Benoit à l'écriture de cette nouvelle fresque. Il y a chez elle une manière particulière d'habiter les textes, presque théâtrale (n’oublions pas qu’elle est aussi une actrice), qui évoque parfois la présence magnétique de Dagmar Krause au temps d'Henry Cow dans les années 70 (c’est particulièrement saisissant sur « A Sculpture Out Of Tune » ou « Glossary »). Maria Laura Baccarini transporte la vie dans son chant ou dans les phrases qu’elle respire au creux de notre oreille (« Sense That You Breathe »). Quelle belle idée de l’avoir associée à ce dernier parcours.

Je ne voudrais pas terminer la rédaction de cette note sans souligner le bonheur ultime des cinq dernières minutes de « Pleasures Unknown », car cette conclusion bonus du disque commencée dans un climat étale est époustouflante de beauté, comme si l’ONJ nous prenait à témoin de sa détermination sans faille depuis le début de son histoire. À faire dresser les poils sur les bras... Ni sans avoir pris le temps de citer, une fois encore, tous les musiciens d’un Paris Oslo aussi beau qu’on pouvait l’espérer. Olivier Benoit (composition, guitare) ; Hans Petter Blad (textes) ; Maria Laura Baccarini (voix) ; Jean Dousteyssier (clarinettes) ; Alexandra Grimal (saxophone ténor) ; Hugues Mayot (saxophone alto) ; Fidel Fourneyron (trombone) ; Fabrice Martinez (trompette et bugle) ; Théo Ceccaldi (violon) ; Sophie Agnel (piano) ; Paul Brousseau (Fender Rhodes, synthétiseur basse) ; Sylvain Daniel (basse électrique), Éric Échampard (batterie, électronique).

Cet ONJ me manque déjà parce que je sais qu'il va bientôt parvenir au terme de sa trop courte vie (Europa Paris, le premier volet, fut publié en juin 2014, c’était hier). J'en viens à espérer qu'il continuera d'exister, sous une identité différente. Il lui reste tant d’histoires à raconter, tant de voyages à entreprendre. Tu m'entends, Olivier ? Vite, dis-moi quelque chose, promets-nous d’autres périples aussi passionnants. Vite...