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Pas simple de redonner vie à un blog moribond depuis plusieurs mois. Les disques se sont entassés sur ma table de travail au point que la vue d’une pile grandissante jour après jour m’a comme pétrifié. Par où commencer ? Pourquoi celui-ci et pas un autre ? Écrire long ou court ? Et selon quelle périodicité ? Autant de questions auxquelles il m’est impossible d’apporter la moindre réponse, aujourd’hui encore. En attendant d’approfondir cette réflexion, ma main a fini par se poser sur un album paru au printemps dernier. Une petite folie, une autre, signée Marjolaine Reymond, chanteuse, vocaliste, compositrice, manipulatrice ès effets électroniques.

Sacré personnage en effet que cette musicienne. Dans le magazine Citizen Jazz, j’écrivais en janvier 2014 au sujet de son précédent disque – To Be An Aphrodite Or Not To Be : « Marjolaine Reymond, chanteuse de bonne aventure qui sonde vos rêveries pour mieux envoûter, vous emportera à coup sûr dans le tourbillon de son univers éthéré. Et c’est au moment où vous pensez l’approcher qu’elle s’éloignera, gardant tout son mystère et cultivant son amour d’un irréel liquide et vaporeux ». Eh bien croyez-moi : près de cinq ans plus tard, on pourrait presque dire la même chose de Demeter No Access, qui a vu le jour sur le label Cristal Records. Parce que cette artiste n’est pas de ceux ou celles qui enregistrent par hasard ou trichent avec leur propre vérité. En des temps reculés, Christian Vander aimait dire, dans un style qui n’appartient qu’à lui : « Graver, c’est grave ». Il me plaît de penser que Marjolaine Reymond est guidée par un principe très proche de ce que voulait signifier le démiurge de la planète Kobaïa. Car ce nouveau disque est à n’en pas douter un autre accomplissement, à la fois complexe et d’une remarquable… accessibilité, quoique puisse en dire son titre. Mais porteur d’une intrigante différence, empreinte de mystères, il faut bien le dire aussi.

Pour mener à bien cette nouvelle aventure, la chanteuse s’est entourée d’autres musiciens et pas des moindres. Ceux-là, comme leurs prédécesseurs, sont capables de restituer avec toute la précision nécessaire et la vibration requise l’univers poétique et, pour tout dire, atypique de Marjolaine Reymond. Je les cite : Bruno Angelini (piano et Fender Rhodes), Denis Guivarc’h (saxophone alto), Olivier Lété (basse électrique), Christophe Lavergne (batterie), auxquels il faut ajouter un quatuor à cordes qui est une déclinaison du quatuor IXI emmené par Régis Huby (violon), avec Clément Janinet (violon), Guillaume Roy (alto) et Marion Martineau (violoncelle). Marjolaine Reymond chante, multipliant sa voix au besoin, se joue de quelques effets électroniques et néanmoins perturbateurs, dans un esprit volontiers bruitiste. Elle a composé tout le répertoire, guidée par l’inspiration et les textes de trois poétesses (Emily Brontë, Elisabeth Browning et Emily Dickinson), organisant en quatre parties d’essence littéraire ce qui s’apparente à un concept album : Le Bestiaire, Les Métamorphoses, L’Odyssée et L’Exode. Mais comme le dit fort justement mon camarade citoyen du jazz Joël Pailhé dans sa chronique du disque pour notre magazine préféré : « Il n’est absolument pas nécessaire d’adhérer pleinement à ces problématiques (exactement comme un laïc face à l’art religieux) pour pouvoir apprécier au plus haut degré le travail réalisé par Marjolaine Reymond ». Dont acte. On aura néanmoins envie de citer l’intention de ce disque, qui est essentielle : celle de « la possibilité pour l’individu de retrouver ses pulsions archaïques, sauvages et ludiques tout en s’intégrant au monde social et civilisé » (sic). Vaste programme…

Demeter No Access est tout aussi dense que le disque auquel il fait suite. Plus peut-être… Et ce qui séduit, une fois encore, c’est l’idée que mille musiques y sont incluses et se croisent au fil des quatorze plages pour n’en faire plus qu’une. Le quatuor à cordes apporte des couleurs qui évoquent une musique de chambre contemporaine ; la rythmique chahute le groove par son recours aux métriques impaires (magnifique travail accompli par le duo Lavergne / Lété) ; le Fender Rhodes de Bruno Angelini allume de splendides contrefeux ; Denis Guivarc’h est particulièrement en verve tout au long de l’album, sa volubilité et ses envolées s’offrant à l’évidence comme les répliques fiévreuses aux élans de la chanteuse. Voix contre voix ! Écrivez cette phrase au pluriel si vous le souhaitez, même si le monde élaboré avec beaucoup de minutie est singulier quant à lui.

Marjolaine Reymond est inclassable, on l’a compris, et c’est pour cette raison qu’on aime son jazz prospectif, tour à tour minimaliste, symphonique et expérimental. Son chant – avec ou sans paroles en anglais et une délicieuse pointe d’accent français – est celui d’un envol cérémoniel vers des cimes nébuleuses ; il est porté par une démesure suffisamment contrôlée pour que l’ensemble ne soit jamais grandiloquent. Il faudrait presque parler d’ivresse, celle-ci trouvant peut-être sa source dans les incursions sérielles de certaines compositions.

Demeter No Access est un voyage. Sur un long fil tendu entre rêve et réalité, dans les méandres de l’âme humaine. Et par sa manière de vous captiver, on peut y voir (et y entendre) un tour de magie dont on n’a pas besoin de connaître tous les secrets. On ferme les yeux, on se laisse porter…

Pas vraiment nouveau mais...

C’est bizarre comme parfois le temps peut sembler se contracter. À elle-seule, la voix de Gary Brooker est capable d’effacer un demi-siècle passé à la vitesse de l’éclair. Si le nom de ce chanteur pianiste ne vous dit rien, peut-être que celui de Procol Harum vous sera familier. Et si ce groupe vous est inconnu, vous ne me ferez pas croire que vous n’avez jamais entendu « A Whiter Shade Of Pale », slow torride inspiré de Bach dont l’orgue Hammond piloté par Matthew Fisher aura accompagné d’innombrables rapprochements corporels à partir de l’année 1967 et son « summer of love » (peut-être même que ce tube est d’une certaine manière le père putatif de bien des enfants nés en 1968). Mais, il faut le dire, cette chanson aura aussi été le meilleur ennemi d’une formation qui jamais, malgré d’incontestables réussites dans les années qui suivirent, ne parviendra à s’en défaire. Un hit sparadrap, qui masquait sans doute la personnalité beaucoup plus complexe et riche du groupe.

Je me souviens de 1973 et de l’album Grand Hotel, au charme suranné et aux ambiances mélancoliques, avec sa pochette en noir et blanc.

Je souviens de Broken Barricades, quand la guitare hendrixienne de Robin Trower (soit dit en passant un des plus grands guitaristes de l’histoire du rock) incendiait « Simple Sister » en 1971.

Je souviens de « Nothing But The Truth », puissant et noueux, en ouverture d’Exotic Birds And Fruit en 1974.

Je me souviens aussi de cette tentative toujours risquée d’une collaboration avec un orchestre symphonique, pour Live With The Edmonton Symphony Orchestra, en 1972.

Je me souviens de…

Ce ne sont là que quelques exemples. À vous d’ajouter vos propres souvenirs.

Oui, Procol Harum avait su aligner des pépites plus ou moins couronnées de succès et, par-delà les changements de son personnel, suivait l’inspiration de Gary Brooker associé au travail du poète complice Keith Reid. Ceci jusqu’en 1977 avant une longue pause puisque le groupe ne reprit son activité qu'en 1991. Mais le passé était le passé, il fut même question d’un procès, celui qu’intenta Matthew Fisher en 2006 pour obtenir sa part de droits sur «  A Whiter Shade Of Pale ». Nettement moins romantique.

Le dernier album du groupe époque 2 vit le jour en 2003 et s’appelle The Well’s On Fire. Brooker, Fisher, Reid en action et le recours cette fois non pas à Bach mais à George Frideric Handel le temps d’une composition (« Fellow Travellers »). Qui s’en souvient ? C’était il y a quatorze ans ; il aura fallu toutes ces années pour que Procol Harum remette le couvert, histoire de fêter le cinquantenaire de son tube planétaire et historique. Voici donc venu Novum, un disque dont les musiciens étaient déjà présents sur son prédécesseur : outre Brooker, George Phillips à l’orgue, Geoff Whitehorn à la guitare, Matt Pegg à la basse et Geoff Dunn à la batterie. Exit Keith Reid et entrée en textes du poète producteur Pete Brown, qui n’est pas un perdreau de l’année puisque ce dernier a fêté récemment ses 76 printemps.

Novum ne fera certainement pas date dans l’histoire de Procol Harum. Non que l’album soit mauvais, loin de là, mais il n’ajoute rien, si ce n’est une cinquantaine de minutes d’une bonne musique dont la production est parfois datée, comme surgie des années 80. Propre sur elle, aucune tache sur la chemise, tout cela est bien fait. Les onze nouvelles chansons défilent et se laissent écouter tranquillement. Mais tout de même : quel plaisir de retrouver, quasi intacte, la voix de Gary Brooker qui vous happe comme au premier jour, rocailleuse et puissante. À 72 ans, le chanteur semble surgi du passé, comme si rien n’avait pu l’atteindre. À peine distingue-t-on une pointe de fêlure. C’est assez envoûtant. Et lorsque ce grand monsieur entonne une chanson dénonçant le cynisme d’un « Businessman » sur fonds de riffs de guitare aux accents troweriens, on est pris d’un petit coup de jeune !

« If you're a business man / You've got to be real / If you're a business man / There's no time to feel / If you're a business man / Everything's a deal / Although you know / It says you shouldn't steal »

À ce moment précis, c’est l’impression d’avoir retrouvé son Procol Harum d’antan qui prédomine. Animé de la même puissance, à la limite de la grandiloquence, mais toujours empreint de ce magnétisme qui en était la marque de fabrique dans les années 70. Bien sûr, il est probable que Novum sera l’ultime disque de ce groupe élégant, parce qu’on n’imagine pas bien ce qu’il pourrait ajouter : Gary Brooker a juste saisi le prétexte de l’année 2017 pour fêter un anniversaire pas comme les autres. Il a eu raison. Parce que Procol Harum le vaut bien. Et parce qu’on n’est jamais si bien servi que par soi-même.

Manassas ou une certaine idée de la perfection

En 1972, Stephen Stills n'avait plus rien à prouver. Après l'aventure du Buffalo Springfield de 1966 à 1968 – avec entre autres complices un certain Neil Young – et celle, plus durable, entreprise aux côtés Graham Nash et David Crosby (puis... Neil Young), notre homme était déjà au sommet de son art. Pourtant, c'est peut-être cette année-là qu'il commit, entouré d'un combo de luxe, un album qui reste, par-delà les années, un sommet dans l'histoire du rock américain.

Comment définir ce disque – à l'origine un double 33 tours aujourd'hui réédité sous la forme d'un CD – autrement qu'en multipliant les superlatifs ?

Virtuose. Indémodable. Habité. Chaleureux. Flamboyant.

Pas besoin d'en ajouter... nous sommes immergés au cœur de 72 minutes inspirées dont jamais la tension ne retombe. Avec Manassas, Stephen Stills nous convie à un voyage décomposé en quatre étapes (à l'origine, une par face du double album) : The Raven, The Wilderness, Consider et Rock & Roll Is Here To Stay. Un périple au cours duquel le guitariste a su inventer un cocktail alliant blues, rock, folk et country rock, sans que jamais l'impression d'harmonie de l'ensemble ne soit rompue.

Les titres s'enchaînent en toute fluidité, souvent sans pause, enluminés par une chorale de guitares et de voix qui semble survoler une rythmique habitée de foisonnement. Les musiciens du projet Manassas, outre Stephen Stills lui-même, ont pour nom Chris Hillman (ex-Byrds), Al Perkins, Dallas Taylor, Paul Harris, Fuzzy Samuels, et Joe Lala. Viennent s'ajouter çà et là quelques invités, dont un certain Bill Wyman à la basse : tous sont au service d'une musique qui n'a pas pris une ride, tout simplement parce qu'elle refusait d'emblée la moindre concession aux modes de son époque. Certains musiciens disent qu'ils ne composent pas la musique qu'ils jouent, mais qu'ils n'en sont que les récepteurs et les vecteurs. Si tel fut le cas pour Stephen Stills en cette année 1972, alors il aura eu ce talent rare d'être un medium. On ne le remerciera jamais assez pour un tel cadeau !

Dédié à Jimi Hendrix, Al Wilson et Duane Allman, Manassas continue de livrer ses secrets près de 35 ans après sa sortie et ne cesse d'enchanter. J'ai beau chercher... pas moyen de lui trouver un défaut :  il ne faudra pas voir dans cette admiration une quelconque nostalgie du paradis perdu des années adolescentes. Déjà, au moment de sa sortie, ce disque me semblait magique ; je serais bien incapable de compter le nombre de fois où, plus tard, au volant de ma voiture, j'ai pu l'écouter au petit matin, savourant avec gourmandise les bienfaits de cette médecine sonore. Il y avait une concordance entre mon esprit disponible et la sérénité d'une musique à la fois humble et riche.

A bien réfléchir, on se rend compte aussi que cette expérience fut sans lendemain. En 1973, le groupe repartait en studio pour ajouter un épisode à son histoire. Allez savoir pourquoi, ce nouveau disque appelé Down the road fut ressenti comme une déception. L'équipe était pourtant là, au complet, mais quelque chose semblait s'être cassé entre temps : non que le disque pût être qualifié de « mauvais », mais plutôt parce qu'encore pris dans la tenaille de son prédécesseur, chacun d'entre nous était comme surpris par une réalisation qui n'était pas à la hauteur de ses espérances. Quel que soit le talent de l'artiste, celui-ci ne peut prétendre tutoyer les sommets en permanence. Nous avions tellement reçu qu'il eut été ingrat de nourrir du ressentiment à l'égard de Stephen Stills. Manassas était à nos côtés, sa présence rassurante suffisait et c'était un effort minime que de le déposer sur la platine au gré de nos envies. Ce qu'à titre personnel il m'arrive de faire bien souvent, quarante-cinq ans plus tard...

Allez, juste pour le plaisir, un petit extrait de «Anyway»... choisi au hasard car j'aurais pu vous proposer n'importe laquelle des vingt-et-une compositions de ce disque !

Pour en savoir plus : www.stephenstills.com

NB : cette note est une révision du texte publié le 15 avril 2006.

Patrick Gauthier : Clinamens

Now playing… Je me suis rendu au Triton (une double salle de concert sise aux Lilas) le 14 mai dernier pour assister au concert de Patrick Gauthier venu présenter le répertoire de Clinamens, son nouveau disque paru chez Disk Union. J’en ai d’ailleurs rendu compte dans une chronique de Citizen Jazz. Ainsi donc, celui qui fut à plusieurs reprises, dans les années 70 et 80, l’un des pianistes de Magma et qui depuis plus de 40 ans est le compagnon de route de Richard Pinhas, son frère en musique, revient après une interminable absence. Près de 20 séparent en effet Clinamens de son prédécesseur, Le Morse, qui avait vu le jour en 1997. On n’osait plus y croire, malgré quelques signes qui nous laissaient espérer un retour sur le devant de la scène. Cette attente est – enfin ! – récompensée par un disque – le quatrième seulement – pour l’enregistrement duquel Patrick Gauthier a joué la carte de l’épure : un piano et deux voix, celles d’Antoine et Himiko Paganotti (mais aussi Isabelle Carpentier sur deux titres) et pour ces derniers un véritable exercice de haute voltige. Si on identifie très vite la signature tournoyante et féérique du compositeur, ses influences qui s’étendent de la musique classique du début du XXe siècle à celles des pays de l’Est (Patrick Gauthier a des racines lituaniennes et ukrainiennes), c’est avant tout sa part d’enfance qui saute, sinon aux yeux, du moins aux oreilles. Le pianiste semble nous exhorter à célébrer l’innocence perdue des premières années de la vie, celles que les humains sont trop pressés d’écourter pour entrer de plain-pied dans leur monde mercantile et violent. « Fairy Tale », « Fantômas », « L’oiseau » en sont trois illustrations gorgées d’un enchantement communicatif. Mais Clinamens est aussi un album de voyages, qui nous conduit « Sur un marché persan » ou du côté de « Vilna », plus connue aujourd’hui sous le nom de Vilnius. L’occasion de retrouver le vieux complice Bernard Paganotti et sa basse, comme au bon vieux temps de Magma mais aussi du groupe Weidorje sur l’unique disque duquel cette composition hypnotique figurait en bonne place. Il y a du bonheur dans ces retrouvailles. Et si Patrick Gauthier nous y autorise, il serait aimable de ne pas nous infliger à nouveau une si longue absence.

Pour en savoir plus et/ou commander le disque, c’est ICI.

En bonus, un court extrait du concert de Patrick Gauthier au Triton, le 14 mai 2016...

Karl Jannuska : Midseason

Now playing… Karl Jannuska est un musicien prisé de ses pairs. Ce ne sont pas Olivier Bogé, Tony Paeleman, Pierre Perchaud, Thomas Savy, Sophie Alour, Tam De Villiers, pour n’en citer qu’un échantillon, qui me diront le contraire, car ceux-là l’ont côtoyé et en connaissent les inspirations tant mélodiques que rythmiques. Le batteur canadien est ce qu’on peut appeler une valeur sûre dont Halfway Tree, publié sous son nom en 2012, était un indiscutable marqueur et marquait sa volonté d’ouvrir son répertoire à la chanson ou, plus largement, à ce qu’on qualifiera hâtivement de pop. Plus près de nous, au début de l’année, on a pu respirer à pleins poumons un Inhale/Exhale en quartet avec trois de ses amis : Tony Paeleman, Pierre Perchaud et Christophe Panzani (le saxophoniste vient de publier de magnifiques Âmes perdues en duo avec sept pianistes). Et le voici qui revient en leader avec Midseason et sa réjouissante collection de treize songs. Des compositions, toutes de courte durée (elles dépassent rarement quatre minutes), dont la réalisation fut un peu particulière dans la mesure où les musiciens ont enregistré leur contribution les uns après les autres. On retrouve ici une fois encore Tony Paeleman aux claviers et Pierre Perchaud à la guitare, augmentés cette fois de Julien Herné à la basse. Et qui dit chansons dit paroles : outre les musiques, Karl Jannuska a signé tous les textes et a pu compter sur les voix de Sienna Dahlen (avec laquelle il travaille depuis plusieurs années) et de Denzal Sinclaire, un compagnon de route rencontré il y a vingt ans à l’Université MgGill de Montréal. Ajoutons pour être complet le violoncelle d’Andrew Downing et la voix de Sonia Cat-Berro sur quelques titres.

Midseason, paru chez Absilone, est un disque de la limpidité, dont les climats volontiers éthérés ne sont pas sans faire penser parfois à l’esthétique de Brian Eno (« Midseason Rise », « Beautiful Fragility »), ne laissant en outre que peu de place à l’improvisation. Ce n’est pas le lieu pour ça... Ici, comme on l’a compris, le format est ramassé, la priorité donnée à la définition de formes sonores où les claviers de Tony Paeleman démontrent une fois encore les qualités d’architecte des textures de ce musicien hyperactif. Les textes sont de nature autobiographique (« Canada Famous »), ils ne manquent pas d’évoquer la passion de Jannuska pour le base-ball, qui a inspiré le titre de l’album. Leur facture est le plus souvent impressionniste (« Beautiful Fragility », « Early Bird ») voire méditative (« Sleelessness »). On tombe très vite sous le charme de ces « bulles poétiques » aux rythmes changeants et entêtants qui confirment la place de choix qu’occupe Karl Jannuska non seulement comme batteur, mais aussi comme compositeur. Au premier abord, Midseason a des allures de parenthèse enchantée, mais ce disque est bien plus que cela : il est une affirmation, celle d’un quadragénaire en pleine santé créative. Le Canadien a beau ne pas être un débutant, on se dit qu’il a une multitudes d’histoires à raconter et qu’à cet égard, ce disque n’est probablement qu’un commencement. On attend la suite...

Pour en savoir plus, c’est ICI.

Fabrice Martinez Chut! : Rebirth

Now playing… Je sais, pour avoir échangé brièvement avec lui sur le sujet, que Fabrice Martinez se défend d’avoir subi l’influence de King Crimson en composant « Rebirth » qui ouvre son nouveau disque. Dont acte, mais tout de même : la basse grondante de Bruno Chevillon, la frappe sèche aux accents brufordiens d’Éric Échampard, les claviers de Fred Escoffier et leurs stridences frippiennes… Que les crimsoniens de tout poil me jettent le premier riff s’ils n’y entendent pas un début de parentèle avec leur groupe fétiche. C’est puissant et ça vient des entrailles… Et puis qu’importe : par leur entrée en fanfare, ces trois minutes introductives sont annonciatrices d’un disque qui semble né d’un cercle vertueux. Comment ? En rassemblant des amis de longue date dans un studio – Ferber en l’occurrence – dont le maître des lieux, le toujours juste Maïkôl Seminatore, sera capable de vous mitonner le son aux petits oignons que vous avez en tête. Quelque chose d’un peu « à l’ancienne », avec un orgue Hammond, une bonne vieille basse électrique, une batterie qui claque, des synthétiseurs comme autrefois, un peu de distorsion et autres effets qui vous rapprochent – cette fois ce n’est pas moi qui le dis – d’un « esprit Motown ». Et vous, vous enregistrerez dans les conditions du live, sans céder aux sirènes du re-recording, pour célébrer une renaissance et laisser libre cours à vos élans. Car tel est aussi le titre de cet album plein de jus : Rebirth, une nouvelle production à mettre au crédit d’ONJ Records, décidément en pleine forme. Avec de tels arguments, on en chercherait presque le 33 tours…

Ce disque – le troisième du quartet Chut! – pourra vous emporter dans des contrées où un autre esprit, celui du Miles des années électriques (« In A Silent Way », « Bitches Brew ») rôde, avant de vous plonger dans un grand bouillon électrique : c’est par exemple le cas de « Transe », surchauffé par la guitare en fusion de Stéphane Bartelt jusqu’à son final hypnotique. Les synthétiseurs, le Fender Rhodes et l’orgue Hammond, agents de voyage zélés, vous feront remonter le temps, pas loin des années 70 (« Smity » ou « Roots ») sans pour autant être passéistes ; on guette çà et là du coin de l’œil pour voir si Herbie ne serait pas lui non plus dans les parages (« Aux cendres etc », son synthétiseur et son blues final). Posez-vous quelques minutes et installez-vous « Derrière la colline », où la paire Chevillon – Échampard, rayonnante, provoque l’embrasement d’une ballade signée Fred Escoffier : alors vous comprendrez ce que peuvent signifier le lyrisme et la lumière intérieure qui émanent de la trompette de Fabrice Martinez. Son jeu est un « coup d’éclat permanent », ce qu’on savait déjà de par ses expériences passées, notamment les plus récentes (réécoutez Europa Berlin de l’ONJ, ça devrait suffire à vous convaincre), mais il se pare ici d’une brillance supplémentaire qui reflète sans nul doute une maxime énoncée par notre homme lui-même : « Savourer le bonheur de se lever le matin pour faire exactement ce qu’on a envie de faire ». Un principe père d’une succession d’élans mélodiques à vous donner le frisson. Tiens, c’est bien simple : si j’osais, je qualifierais cette musique de sexy : par le fond et par la forme, avec ses rondeurs et sa belle santé, par son franc sourire aussi. Rebirth, c’est un concentré de plaisir, un objet musical qui claque comme un drapeau au vent.

On notera que la conclusion du disque est d’une nature un peu différente : si « Prune » commence avec la formule du quartet dans une longue montée en tension, cette composition prend fin sous la forme d’un duo piano-trompette à la tonalité romantique, presque classique. Une coda sentimentale, en quelque sorte, qui tend à démontrer que Fabrice Martinez n’a pas seulement du souffle : il a aussi un cœur gros comme ça !

Pour en savoir plus, c'est ICI.

Abhra

Now playing… Pour ne rien vous cacher, le saxophoniste Julien Pontvianne est selon moi un drôle de loustic. Un énorme point d’interrogation, qui prend un malin plaisir à ne pas vous fournir les réponses aux questions que pose sa musique. C’est à vous d’essayer de vous faufiler dans son monde de silence et d’y trouver une place. Rien de péjoratif dans cette manière de qualifier celui dont j’avais déjà salué le talent très singulier à l’occasion de la publication de Silere, un disque étonnant de l’Aum Grand Ensemble. Je me souviens de l’expression « immobilités apparentes » : elle m’était venue à l’esprit après que j’ai découvert cette musique surgie d’ailleurs, mue dans le quasi silence de souffles esquissés. Que dire par ailleurs de Watt, son quatuor de clarinettes, et de son deuxième disque, encore plus mystérieux, paru chez BeCoq il y a quelques mois ? Imaginez une composition plus immobile que Silere, dont la durée à elle-seule est un défi : soixante-dix-sept minutes ininterrompues, et l’impression que presque rien ne bouge dans cette respiration à quatre souffles continus au cœur desquels on perçoit à peine mouvements et décalages, pour peu qu’on n’y prête pas attention. Il faut s’accrocher à sa propre volonté d’en savoir plus pour ne pas courir le risque de se perdre dans un espace infini dont les trois autres gardiens ne sont pas des inconnus : Jean Dousteyssier (dont j’ai évoqué le Post K voici quelques jours), Antonin Tri-Hoang et Jean-Brice Godet. Et pour être franc, je vous accorderai le droit d’être un peu dérouté par cette aventure dans laquelle on ne peut entrer vraiment qu’à condition d’avoir libéré son esprit de toutes les chaînes de notre quotidien formaté. Julien Pontvianne invente la musique de l’abandon.

Immobilité. Silence. Mystère. Vide. Atmosphère flottante. Voilà le début d’un lexique qui pourrait définir l’approche esthétique de ce musicien explorateur. En sanskrit, Abhra signifie justement l’atmosphère et le vide : c’est le titre que Julien Pontvianne a donné à son nouveau projet, pour lequel il s’est entouré d’une formation internationale aux couleurs changeantes mais tout aussi confidentes qu’à l’habitude. À n’en pas douter, notre homme est toujours en quête d’une musique en état de lévitation. À ses côtés, la chanteuse irlandaise Lauren Kinsella, la violoncelliste anglaise Hannah Marshall, les Italiens Francesco Diodati (guitare) et Matteo Bortone (contrebasse), sans oublier son cher compatriote Alexandre Herer aux claviers. On connaît ce dernier pour toute la tâche qu’il accomplit dans le cadre d’Onze Heures Onze, sur le label duquel le flottant Abhra voit le jour. Ce sextet, plus que jamais introspectif, s’est réuni autour de textes de Henry David Thoreau, philosophe et poète américain du XIXe siècle et qui constituait déjà la source d’inspiration de Silere. Il faut se souvenir que Thoreau plaçait la nature au centre de sa pensée et avait compris que « pour être et s’ancrer au monde, il suffit de respirer, goûter, toucher, regarder, écouter le silence, ressentir, contempler, observer ». Et c’est bien une telle approche qui constitue la véritable clé permettant d’ouvrir en grand la porte de cet univers musical sans équivalent. Il faut apprendre le lâcher prise. Si, de façon paradoxale, les textures sonores déployées dans Abhra, d’une grande délicatesse, sont une invitation au silence, elles sont peut-être le terrain le plus propice à l’envoûtement que suscite le chant diaphane de Lauren Kinsella, une grande découverte pour ce qui me concerne. Abhra est un disque de la lenteur, ce qui à notre époque est presque une provocation. Julien Pontvianne et ses musiciens nous invitent à stopper un temps notre course folle et à nous interroger sur le sens à donner à l’urgence qui nous ronge. Où allons-nous, quelle est la nature réelle de cette frénésie qui nous emporte et pourquoi sommes-nous si souvent incapables de supporter le silence ? Il y a plein de réponses à toutes ces questions dans Abhra : laissez-vous aller, fermez les yeux, écoutez, vous aller trouver.

Pour en savoir plus, c’est ICI.

Shoplifters : There Is A Light

Now playing… Ce n’est pas parce que les musiciens formant le groupe Shoplifters ont eu la gentillesse de me demander d’écrire les liner notes de There Is A Light que je dois pour autant passer sous silence la sortie de leur premier disque. Car le plaisir est là, avant toute chose : celui d’une re-création. Ou comment revisiter sans le paraphraser, mais en lui donnant de nouvelles couleurs, plus lumineuses pour ne pas dire solaires, un passé musical remontant aux années 70 ou 80 dont les groupes phares avaient pour nom : The Smiths, Joy Division ou The Smiths. On rassemblait ce petit monde britannique, parce qu’on aime bien les étiquettes, sous la bannière cold-wave. Comme un témoignage du désenchantement face à la montée du chômage de masse et à sa casse sociale thatcherienne sans précédent depuis des décennies en Europe. Tiens, à ce sujet, je vous recommande vivement la lecture d’un passionnant article du quotidien britannique The Guardian.

Revenons à la musique... À ces formations dont l’esthétique était parfois glacée, il faut pour être complet ajouter The Velvet Undergound, groupe made in US au visage sombre, qui s’était fait entendre quelques années plus tôt. Une sorte de parrain… Shoplifters (les voleurs à l’étalage) tire son nom d’une chanson des Anglais The Smiths, « Shoplifters Of The World ». Ils ont aussi emprunté There is a light, titre de ce premier disque, à une autre composition de ce groupe emmené par Steven Patrick Morrissey. Pas d’imitation, donc, mais une fusion en tous points réussie des différentes expériences musicales – rock, funk, soul music, jazz dans tous ses états – des cinq protagonistes qui éclairent avec une assurance tranquille un petit trésor musical du genre ombrageux. Alexandra Prat prête sa voix confidente et chargée de beaucoup de sensualité ; Michael Cuvillon, instigateur du projet, n’hésite pas à troubler son saxophone de quelques effets électroniques et ludiques à la fois ; la guitare de Phlippe Canovas est plus que jamais atmosphérique, guettant du coin de l’œil un rock volontiers exploratoire ; quant à la rythmique formée par Sébastien Maire (contrebasse) et Christian Mariotto (batterie), elle nous balade, jusqu’à l’Afrique s’il le faut. Et si la lumière tant convoitée était à chercher de ce côté-là ? Allez savoir… Quoiqu’il en soit, There Is A Light est une délicieuse invitation au voyage, dans l’espace et dans le temps.

PS : Shoplifters ouvrait cette semaine le bal du festival Vand’Jazz à Vandœuvre-lès-Nancy. J’y étais, tout comme mon complice Jacky Joannès qui m’a rapporté cette photographie. Merci à lui !

Pour en savoir plus sur Shoplifters, c’est ICI.

CharlElie Couture : Lafayette

Now playing… Oui, oui, vous avez bien lu : CharlElie Couture. Mais que vient donc faire ici ce monsieur qu’on estampille à tort « variété française » et qui est avant tout un rockeur « fort rêveur » ? C’est que ce bonhomme-là, je l’aime bien, et ça ne date pas d’hier. Je ne prétends pas connaître sa vingtaine d’albums sur le bout des doigts, même si j’ai écouté la plupart d’entre eux, et je ne l’évoque pas ici parce qu’il est natif de Nancy, une ville que j’habite depuis… bien longtemps. Je ne m’attarderai pas non plus sur le cas de celui qui vit à New York depuis une douzaine d’années, par ailleurs peintre tout aussi singulier que le chanteur porteur d’une longue barbiche pointue dont la voix nasillarde est une énigme pour beaucoup. Pas facile d’expliquer en quelques mots la sympathie que le monsieur m’inspire, mais j’ai l’impression qu’il est un homme libre, ou du moins aussi libre que possible dans ce monde étrange et gris fabriqué par des humains égarés.

Et puis, entrons dans le vif du sujet, la vraie raison de cette chronique, c’est Lafayette, son nouveau disque. Un pur plaisir. Je le dis avec d’autant plus de simplicité qu’Immortel, son prédécesseur, m’avait laissé un petit goût, sinon amer, du moins fade. La faute sans doute à cette drôle d’idée consistant à s’assurer le concours artistique de l’inévitable Benjamin Biolay. Ou la garantie d’un hors sujet et d’un glissement progressif vers la standardisation : de surcroît, on ne décelait pas dans ce disque mi-figue mi-raisin la moindre prise en compte de la singularité de CharlElie Couture, chanteur atypique s’il en est. Or, le Lorrain vaut mieux qu’une série de chansons-sirop, il lui faut du brut, de l’authentique, du râpeux : c’est bien ce qu’on trouve dans ce nouveau disque enregistré en Louisiane avec des musiciens du cru, y compris le mythique Zachary « Travailler c’est trop dur » Richard qui pointe le bout de ses cordes vocales sur deux titres. Lafayette est un disque qui va à CharlElie comme un gant en peau d’alligator. Au préalable longuement trempé dans les eaux boueuses du marigot, le son est roots, joliment sali par des instruments pétillants au service d’un blues rock champagne des bayous : guitares électriques, dobro, orgue Hammond, piano, banjo, pedal steel, accordéon, une poignée de cuivres pour épicer le goûteux ragout. Zéro pour cent de matière synthétique… CharlElie Couture, lui, s’amuse comme un gamin et ce n’est pas pour rien qu’il entame son album par une chanson intitulée « On va déconner ». Pas un seul instant la tension ne se relâche tout au long des 13+1 titres, même à l’occasion des ballades qui évitent cette fois l’écueil de la mièvrerie. Lafayette est une sorte de one shot, un tir groupé sans temps mort ni faute de goût dont la conclusion est une noueuse reprise de « House Of The Rising Sun » devenu « Maison Soleil Levant ». Et si mon ex-concitoyen m’autorise cette recommandation, j’aimerais souligner le fait que le filon me semble loin d’être épuisé. Il y a encore de la matière première à exploiter au point qu’on attend la suite avec impatience. Surtout, on comprend plein de choses qui nous titillaient depuis les originelles 12 chansons dans la sciure : cette drôle de diction, cet accent bizarre, cette voix traînante, cet assemblage vocal faussement bancal… Bon Dieu, mais c’est bien sûr : CharlElie Couture est un Acadien qui s’ignorait.

Pour en savoir plus, c'est ICI.

Jean Dousteyssier : Post K

Now playing… Il s’en passe de belles du côté des soufflants de l’ONJ. Il y a quelques mois, Fidel Fourneyron avait relevé avec brio le défi d’un exercice de High Fidelity, seul aux prises avec son trombone. Et c'est au tour de Jean Dousteyssier de s'y coller puisque ce dernier fait vibrer les anches de ses clarinettes avec Post K, un disque publié sur le label ONJ Records. Voilà un musicien singulier – il peut aussi se glisser dans la peau d’un saxophoniste au sein de l’Umlaut Big Band – qui n’a pas attendu d’être adoubé par Olivier Benoit pour faire entendre sa différence. Et quelle différence ! Souvenons-nous, par exemple, du tentet Pan-G dont il est l’une des voix les plus débridées. Post K (comprenez Post Katrina, du nom de l’ouragan qui a dévasté la Nouvelle-Orléans), le voit entouré de son frère Benjamin aux saxophones, Matthieu Naulleau au piano et d’Elie Duris à la batterie. C’est un disque qui ressemble à s’y méprendre à un joyeux exercice de reconstruction : Jean Dousteyssier et ses camarades ont eu l’excellente idée de s’emparer du répertoire des années 20-30, en particulier celui des pianistes stride Fats Waller, Willie « The Lion » Smith ou Eubie Blake, pour le chahuter sans ménagement, comme s’ils l’avaient retrouvé éparpillé en mille morceaux façon puzzle après le passage de l’ouragan et qu’il avait fallu le remettre sur pieds. Mais pas forcément dans son état initial, parce qu’il faut comprendre que ces jeunes musiciens sont aussi très influencés par le free-jazz des années 60 et 70 et par les musiques improvisées. Dans ces conditions, vous devinerez très vite que Post K n’est pas un disque banal, il se présente comme une suite de treize pièces de courte durée dans lesquelles le quatuor s’en donne à cœur joie. Mais il ne s’agit pas pour autant d’un exercice de style, tant s’en faut : c’est une proposition ludique et savante à la fois, c’est la réconciliation possible des anciens et des modernes. Bref, c’est un jazz vivifiant pour tous qui suscite l’adhésion instantanée. J’aurais presque envie d’en demander le remboursement par la Sécurité Sociale… Et ce n’est pas fini du côté de l’ONJ puisque son trompettiste Fabrice Martinez vient de dégainer un tonique Rebirth dont il sera très vite question du côté des musiques buissonnières.

Pour en savoir plus, c’est par ICI.

Dré Pallemaerts : Coutances

Now playing... Neuf ans environ après Pan Harmonie, le batteur Dré Pallemaerts réunit à nouveau sa formation de rêve : Mark Turner au saxophone, Bill Carrothers au piano et Jozef Dumoulin aux claviers et Rhodes. L’album s’appelle Coutances, comme la ville normande où se tient le festival Jazz sous les Pommiers. C’est là que le quatuor s’était installé il y a quelque temps en résidence. Le résultat est de toute beauté, une sorte de mélancolie brumeuse s’installe et la magie opère, qui enveloppe six compositions du batteur, deux improvisations collectives (« Sun Salutation » et « Moon Salutation ») et une reprise envoûtante de « Première pensée Rose+Croix » d’Erik Satie. La frappe suspendue d’un Dré Pallemaerts habité, le néo-classicisme aux intonations romantiques de Bill Carrothers, le chant méditatif, presque mystique, des anches de Mark Turner et les claviers de Jozef Dumoulin qui semblent explorer des contrées baignées d’une lumière vespérale : voilà qui fait un grand disque, une parenthèse en lévitation, un des moments forts de cette année 2016, assurément. On pourra aussi s’imprégner de toute l’énergie qui anime « Brussels Parijs », comme un hommage rendu aux deux capitales devenues récemment sœurs de sang.

Pour écouter, c'est ICI, pour en savoir plus et/ou commander le disque, c'est LÀ.